A música do acaso

Doce, quanto baste

2011-02-27T21:27:00.005Z

"Eu gosto muito de boas canções e, ao contrário do que algum pseudo-intelectualismo possa pensar, é muito difícil escrever boas canções. Fazer qualquer coisa simples, curta e de grande força não é fácil". A citação pertence a Júlio Resende e integra uma entrevista que foi publicada numa das mais recentes edições da revista "Time Out Lisboa". Por mim, estou plenamente de acordo com a opinião do pianista que acaba de lançar o seu terceiro disco, You Taste Like a Song. Pelas obras anteriores de Júlio Resende, já tinha dado para desconfiar que este pianista, felizmente, é daqueles que não têm ideias pré-concebidas. De Aimee Mann aos Pink Floyd, Resende procura boa matéria-prima para reinventar, sem querer saber de rótulos ou de complexos intelectuais, e se tiver que ir aos terrenos da pop e do rock para encontrar aquilo que busca, não hesita. Em You Taste Like a Song, é a vez de os Radiohead e John Mayer terem versões de temas seus interpretados pelo trio de Júlio Resende que, além do líder da gravação, inclui Joel Silva, na bateria, e Ole Morten Vagan, no contrabaixo. É um disco "doce", como diz o próprio Júlio Resende na mesma entrevista, mas não "demasiado doce", como sucede com muito do jazz mais disseminado nos dias de hoje, muitas vezes vítima de excesso de produção e de formalismo que lhe retira força e autenticidade. Não é o caso desta gravação, que confirma Resende como um dos grandes pianistas nacionais do momento. E a concorrência é bem forte.

Para escutar Shine On You Crazy Diamond, clicar aqui.

Action piano man

2011-02-26T22:56:00.008Z

"Em dias como o de hoje, em que sinto uma profunda melancolia, chego a pensar no que seria se me faltasse a única coisa que pode restar a um melómano. O que seria se tudo falhasse, incluindo o sentido da audição? Que estímulo sobraria para continuar? É isso. Hoje sinto como se a única coisa no mundo que me pode consolar é a música. Por uma razão em especial e por nenhuma em particular". Agarrei num disco de Orrin Evans e escutei-o do início ao fim. O escolhido foi o mais recente do pianista, Faith in Action, e o momento sublime que desfrutei com esta audição foi a penúltima faixa deste disco, Love Remains. Evans, um apelido de óptimas tradições quando o tema é o trio de piano, move-se nas fronteiras do jazz mainstream mas sabe quando largar a pauta e subvertê-la. O produto resultante é música vigorosa, impulsiva e tocante.

Para escutar Love Remains, clicar aqui.

Um disco com direito à tecla de repetição

2011-02-26T17:40:00.007Z

Passei a ser fã de PJ Harvey apenas a partir de Stories From the City, Stories From the Sea. Sei que isto não abona a meu favor perante os aderentes da primeira hora. Mas aquele foi o primeiro álbum da sua discografia que escutei com atenção. Desde aí, comecei a acompanhar a carreira de PJ Harvey com mais cuidado e, também, com a satisfação de se tratar de alguém capaz de escrever boas canções e também de as arranjar e interpretar com criatividade e evitando as soluções rotineiras. Hoje, chegou a vez de ser apresentado a Let England Shake, o novo disco, que traz uma dúzia de novos temas que falam de Inglaterra. O som é low-fi, por vezes parece que estamos a escutar uma gravação feita por uma banda de estreantes nos anos 60, a instrumentação é minimalista e o álbum agarra desde a primeira canção, precisamente aquela que dá o título à obra. É um CD que merece ser colocado a tocar com a tecla de repetição accionada.

Para escutar Let England Shake, clicar aqui.

Um disco poderoso

2010-11-01T23:25:00.009Z

Costumo receber com desconfiança as notícias sobre um disco gravado por um músico de rock ou pop acompanhado por uma orquestra. Faz-me lembrar algumas experiências falhadas, embora pretenciosas, quando entre o final dos anos 60 e o início dos anos 70 algumas bandas de rock e pop tentaram conquistar "respeitabilidade". Não podiam esperar pelo teste do tempo. Queriam ganhar, de imediato, o direito a serem reconhecidos nos meios "eruditos" e, para isso, não chegava o seu talento naquilo em que eram bons. Era preciso colocar umas dezenas de violinos e violoncelos a interpretar as suas canções ou as suas tentativas de criarem peças sinfónicas. Quando soube que Peter Gabriel tinha decidido lançar um álbum de versões apenas acompanhado de uma orquestra fiquei apreensivo apesar de ser um admirador de longa data do antigo líder dos Genesis. Às primeiras audições de Scratch My Back não fiquei deslumbrado. Mas, agora, dou-me por convencido e até acho que é um dos grandes discos de sempre de Gabriel. Os arranjos são irrepreensíveis, poderosos, e Peter Gabriel não se limita a seguir os originais. Reinventa as canções, descobre-lhes novos ângulos, como quem lê um livro pela segunda vez e vislumbra aspectos que tinham passado despercebidos e os decide partilhar. Pode constatar-se isto em The Boy In The Bubble, Mirrorball, Listening Wind ou My Body Is A Cage, de gente tão diferente como Paul Simon, Elbow, Talking Heads ou Arcade Fire. E a boa nova é que ainda há mais do que estes nomes para desfrutar. Em Scratch My Back, Peter Gabriel não faz um disco de versões. Pega em 12 temas e oferece-nos a sua leitura, fortemente personalizada. É um disco a não dispensar. Não provoca comichão nas costas mas faz arrepios na espinha.

Para escutar My Body Is a Cage, clicar aqui.

"Exile On Main Street" depois do duche

2010-10-29T23:45:00.007+01:00

Namorei este duplo-vinil durante muito tempo antes de o conseguir comprar. Lembro-me de o ir escutar a uma loja de discos, entretanto desaparecida, numa esquina da Avenida de Roma, em Lisboa. Eram os meados dos anos 70 e Portugal estava endividado mas as famílias ainda não viviam a crédito. Comprar discos, só com capitais próprios e estes levavam tempo a amealhar. As repetidas audições de Exile On Main Street foram servindo para formar uma opinião consistente antes de tomar a decisão. Primeira impressão: havia uma produção mais descuidada em relação ao antecessor, Sticky Fingers, fruto muito provável de os temas terem sido gravados numa mansão no Sul de França, com o que isso implica de descontracção e desconcentração numa banda que estava mergulhada no seu "fim-de-semana perdido" de sexo, drogas, alcool e rock and roll. Segunda impressão: havia um primitivismo nas canções que funcionava como um isco que, audição após audição, se ia insinuando e conquistando terreno. Mais de três décadas depois, este álbum mantém os mesmos defeitos mas alguns foram corrigidos com a nova remasterização. A voz de Mick Jagger e os instrumentos surgem mais claros e menos compactados num muro de som cansativo, o que permite desfrutar em melhores condições dos detalhes dos arranjos. Tumbling Dice é um exemplo, mas não o único. O "riff" inicial está mais hipnotizante do que nunca e a mesma clareza pode ser apreciada em All Down The Line ou nos temas baseados em instrumentos acústicos, como sucede na sequência que se inicia com Sweet Virginia e que preenchia o lado 2 do primeiro disco na edição original. Assim, dá mais gosto apreciar um dos melhores álbuns da melhor fase dos Rolling Stones, que muito deve ao guitarrista Mick Taylor. Os temas extra merecem ser ouvidos. Mas a voz de Mick Jagger deve ter sido gravada muito depois das sessões. Não soa como no resto de Exile mas mais parecida com o Jagger de tempos mais recentes. Tenho a impressão de que, aqui, houve batota. Quanto ao resto, ou seja, ao Exile On Main Street tal como sempre o conhecemos, ganha vida nova depois de ter tomado um duche.

Para escutar Tumbling Dice, clicar aqui.

Nos arquivos de Paddy McAloon

2009-11-21T18:39:00.006Z

Nos arquivos de Paddy McAloon estão centenas de canções que, provavelmente, jamais verão a luz do dia, pelo menos interpretadas pelo seu autor. O líder dos Prefab Sprout tem enfrentado problemas de saúde ao longo da corrente década, que lhe afectaram a visão, a audição e, compreensivelmente, o ânimo. Daí que qualificar Let's Change The World With Music como o "novo" disco dos Prefab Sprout seja pouco rigoroso. É uma novidade na discografia da banda mas trata-se de uma demo inteiramente gravada por McAloon. Daqui resulta que podemos escutar o disco e imaginar como soaria se fosse executado com instrumentos reais em vez de se basear em sucedâneos vindos do mundo da electrónica. É um exercício possível. Outro, é o de apreciar as canções de Paddy McAloon que deveriam ter sido sucessoras de Jordan: The Comeback, um dos grandes álbuns dos Prefab Sprout. McAloon é um compositor pop de primeira linha, um mestre da melodia, o melhor intérprete das suas canções e Let's Change The World With Music, que celebra a magia e o poder da música, é mais um testemunho de todos esses talentos. Resta esperar que o músico tenha a energia suficiente para voltar a abrir as portas dos seus arquivos e colocar cá fora as pérolas que por lá estarão guardadas.

Uma história bem contada

2009-11-19T17:29:00.004Z

A Tale to Tell é, no mínimo, uma história bem contada. E desfia-se em poucas palavras. Tem excelentes canções, da pop mais pura e sedutora, muitíssimo bem interpretadas, com uma voz feminina irresistível e orquestrações de veludo, cheias de fantasia. A banda que é responsável por este belíssimo álbum dá pelo nome de The Mummers.

Uma caixa (felizmente) sem surpresas

2009-11-17T16:35:00.005Z

Sem o justificado alarido que rodeou o lançamento das duas caixas com a discografia dos Beatles, nas misturas em mono e estéreo, acaba de surgir mais uma edição dos sete álbuns de originais dos Creedence Clearwater Revival. Foram uma das bandas que escutei com muita dedicação há longos anos, quando estavam no auge, e ainda conservo muitos dos singles que, na época, entre o final dos anos 60 e o arranque dos anos 70, mantiveram John Fogerty e os seus três companheiros de aventura nos tops. Os discos vêm numa caixa despretensiosa, sem luxos, respeitando as capas originais, tudo acompanhado de um pequeno livro com textos sobre cada um dos discos, excepto o derradeiro, Mardi Gras, que é uma obra menor na obra dos Creedence, gravada em trio depois do abandono de Tom Fogerty. Toda a energia e talento da banda para misturar tradições da música popular norte-americana estão nesta caixa e com um som bastante melhorado em relação às primeiras versões em CD, o que é bem notório em discos como Willy And The Poor Boys, Cosmo's Factory e Pendulum.

O expresso que chegou atrasado

2009-11-15T18:44:00.007Z

Após longos meses de preguiça, decidi fazer uma tentativa para revitalizar este blogue. A razão é muito básica: continuo a gostar muito de ouvir música e esta é um elemento absolutamente essencial na minha vida. Como ontem, a pretexto de um acontecimento infeliz, acabei por passar algum tempo a conversar sobre música com personagens que sabem muito da poda, fiquei com a chamada "pica" para recuperar a vontade de ir escrevendo por aqui sobre discos de que gosto, dentro da liberdade ditada pelo mero acaso. O problema está no facto de não saber bem por onde começar. Hum, vamos cá a ver... Pode ser pelos Kraftwerk. Comprei hoje a edição remasterizada do Trans Europe Express, de 1977. Devo confessar que na época em que a banda alemã dava os primeiros passos para se tornar num nome de culto entre os apreciadores de música feita exclusivamente com o recurso a instrumentos electrónicos eu não gostava do que faziam. Para quem estava amarrado ao rock, à folk e aos blues, sobretudo, era artificialismo e minimalismo a mais. Hoje, pelo contrário, tirei enorme gozo da audição deste álbum, dos seus ritmos e frases curtas e repetitivas. Acho que, 32 anos depois da edição original de Trans Europe Express, me juntei aos fãs dos Kraftwerk.

Há dias assim

2008-02-03T16:36:00.000Z

Em dias como o de hoje, em que sinto uma profunda melancolia, chego a pensar no que seria se me faltasse a única coisa que pode restar a um melómano. O que seria se tudo falhasse, incluindo o sentido da audição? Que estímulo sobraria para continuar? É isso. Hoje sinto como se a única coisa no mundo que me pode consolar é a música. Por uma razão em especial e por nenhuma em particular. Agarrei num disco de Neil Young e escutei-o do início ao fim. O escolhido foi Silver and Gold e o momento sublime que desfrutei com esta audição foi a derradeira canção deste disco, Without Rings. Fez-me sentir melhor, apesar de ainda mais melancólico. Há um sentimento de pesar e abandono nesta canção, que recorda um dos álbuns maiores de Young, On The Beach. Passou, a partir de hoje, a integrar a play list da minha vida.

Muita alma

2008-01-26T15:40:00.001Z

Vamos imaginar o encontro entre os blues rurais acústicos e a mesma coisa tocada com intervenção, aqui e ali, das guitarras eléctricas, sem quaisquer objectivos de evidenciar virtuosismo onde ele não existe. E aí está um disco de música simples, magnética desde o primeiro contacto, capaz de premir o botão mágico que nos põe a bater o pé sem mesmo darmos conta disso. Por aqui, em Mo' Diggin', de Bo Weavil, há blues à farta, tocados com a alma que é necessária e muito próximos das raízes. Não há muito mais a dizer. Ouçam isto, se gostam de blues.

Eu ontem adormeci assim

2008-01-14T20:15:00.001Z

Escutar apenas pop, cansa. Escutar apenas a pop que agrada a toda a gente, ainda cansa mais. Criar preconceitos por causa disso, é um erro. Uma coisa que se pode aprender à medida que se vai escutando mais música sem concentrar todo o tempo disponível num só estilo, é que o ecletismo compensa. Na pop, há muito lixo, mas também há muito trabalho feito com talento e inteligência. Os The Bird and The Bee, são um bom exemplo. Têm aquilo que, nos dias que correm, é quase obrigatório: uma suave e cristalina voz feminina. Mas têm, também, aquilo que falta, em geral: um enorme talento para a composição, esgueirando-se do óbvio para criar algo diferente, sofisticado, bem produzido e muito longe de soar como se já tivéssemos escutado isto alguns milhares de vezes. O selo da Blue Note dá, à partida, credibilidade a este disco. Mas não chega para explicar tudo. Vale a pena ouvir estas canções, optimistas como a pop mais pueril, mas profundas como poucas vezes sucede nestes terrenos. Eu ontem adormeci assim.

William Parker, o poderoso

2008-01-12T21:43:00.001Z

Gosto de discos de jazz, em quarteto, sem piano, assentes num contrabaixo poderoso, que diz para onde é o caminho. William Parker sabe liderar gravações que se inscrevem neste género. Tem, ainda, a vantagem de saber escolher os bateristas que o ajudam a erguer as estruturas dos temas que regista nos seus discos. Hamid Drake, por exemplo, um soberbo executante, ajudado pelo facto de o som da sua bateria dispensar filtragens, surgindo com a qualidade natural de uma gravação de garagem, sem artifícios purificadores. Sound Unity tem, também, o contributo de Rob Brown, no saxofone alto, e de Lewis Barnes, no trompete. Todos juntos, fazem uma banda sólida, cheia de energia exaltante. Os menos pacientes podem começar pelo fim, um divertimento reggae, assente na linha do contrabaixo, antes de se lançarem no resto. Grande disco, é o que consigo garantir.

Monk revitalizado

2008-01-07T12:02:00.000Z

Gosto mais de Thelonius Monk como compositor do que como pianista. E apesar de muitos dos seus temas terem já sido objectivo de múltiplas versões, por parte de músicos novos e veterenos, parece haver sempre a possbilidade de regressar ao espólio e de revitalizá-lo. É o caso protagonizado pelo baterista Ben Riley, em Memories of T, e com grande sucesso. Uma das curiosidades do disco está no facto de, entre os músicos que integram o noneto, não figurar qualquer pianista o que, em si, já é um desafio com interesse bastante para averiguar como isto soa. Uma das grandes virtudes do disco está nos impecáveis arranjos que o trompetista Don Sickler explica no texto que acompanha o CD (aqui está aquela que é, ainda, uma das vantagens de consumir a música em suporte físico). Outra, para além dos temas de Monk, está no forte naipe de saxofonistas que semeiam a sua arte pelo disco fora. São nada menos que quatro, capazes de nos fazerem vibrar de alegria, com as suas intervenções nos saxofones alto, tenor, soprano, barítono e baixo. Memories of T, justamente citado como uma das grandes edições de jazz de 2007, é uma celebração à altura do rasgo de Monk.

Notas mágicas

2008-01-03T16:34:00.000Z

Há discos, como este, em que o sentido melódico de quem o interpreta nos torna cativos de uma magia intensa. Enrico Rava é um dos grandes trompestistas europeus, senhor de um talento superior para arrancar notas claras e bem definidas, cheias de emotividade e contaminadas de uma suave melancolia. Em The Words and The Days, Rava assina uma das suas melhores obras de sempre. Com Gianluca Petrella, no trombone, assegura os dois pontos-chave na música que por aqui se escuta, em diálogos serenos e distendidos. O quinteto é completado, na perfeição, por Andrea Pozzi, no piano, Rosario Bonaccorso, no contrabaixo, e Roberto Gatto, na bateria. É um disco para escutar muitas vezes, com a disponibilidade que a grande música merece.

Ano novo, lua nova

2008-01-01T16:23:00.001Z

Uma das boas iniciativas do ano passado foi a edição do duplo-CD com 24 canções de Elliott Smith, integrando muito material que jamais tinha conhecido a luz do dia. New Moon, título que se deve ao facto de o cantautor, desaparecido em 2003, gostar de vaguear pelas ruas a observar a lua, expõe uma mão cheia de temas que poderiam ter sido editados nalgum dos álbuns que Smith lançou em vida. Nem sempre estas edições de material que foi ficando esquecido nos arquivos conseguem estar ao nível esperado. Mas não é esse o caso de New Moon. Muitas das canções são interpretadas apenas por Smith, limitando-se os arranjos à sua voz e à guitarra acústica, mas a qualidade do produto final é muito mais do que uma mera colecção de demos, daquelas que, noutras situações, pouco mais são do que meras curiosidades destinadas a militantes. A melancolia de Smith atravessa este álbum e serve, na perfeição, para quem procure uma banda sonora adequada ao primeiro dia de um novo ano, quando somos confrontados com a inevitabilidade do tempo que vai passando.

Um serão com a diva

2007-12-31T02:33:00.001Z

Terminei o ano passado com os solos prodigiosos de Steve Ray Vaughn, através do visionamento de dois concertos no festival de Montreux. Para este ano, guardei algo diferente, adequado a uma passagem de ano que se adivinha tranquila. A banda sonora vai ser assegurada por Billie Holiday e o álbum eleito para a despedida de 2007 é Lady In Satin, um dos meus favoritos da grande diva, registado em 1958, cerca de um ano e meio antes da sua morte. Para além da voz e da entrega intensa de Holiday, o disco ganha um brilho irresistível com as orquestrações de Ray Ellis. O que mais dizer de um daqueles álbuns cuja música provoca frequentes arrepios na espinha?

Homenagem a Oscar Peterson

2007-12-26T19:50:00.001Z

Oscar Peterson não ficará para a história do jazz como um inovador, capaz de rasgar fronteiras e desbravar novos terrenos. E essa foi uma reserva que muitas vezes foi colocada à sua obra. Faria algum sentido torcer o nariz se Peterson não fosse um pianista fenomenal, concentrado no mainstream, é certo, mas dotado de um soberbo talento como executante e de uma emotividade contagiante. Tenho vários discos deste gigante do jazz do século XX e hoje, que decidi escrever um texto a propósito da sua morte, senti dificuldade em escolher um que pudesse servir de homenagem à sua obra. Por fim, decidi-me por Night Train, de 1962, em que actua na companhia de dois dos músicos com quem fez um dos seus mais famosos trios: Ray Brown, no contrabaixo, e Ed Thigpen, na bateria. A excelência morava aqui.

O rei dos blues rurais

2007-12-23T20:13:00.001Z

Foi hoje, finalmente, que decidi comprar um disco com uma parte do curto, mas notável, espólio musical de Robert Johnson, o bluesman que marcou gerações de guitarristas que lhe sucederam após uma curta vida. À falta do primeiro volume, que também teria ido direitinho para o saco de compras caso estivesse disponível, trouxe para casa o segundo episódio de King Of The Delta Blues Singers. São 17 temas, de um total de 29, registados por Johnson nos anos 30, entre 1936 e 1937. O som, como seria de esperar, sofre com a época em que foi captado e com a escassez de meios colocados à disposição para as gravações, mas nem isso é argumento para demover quem quer que aprecie blues de escutar e vibrar com estes clássicos. O álbum de Eric Clapton de homenagem a Robert Johnson pode resolver o problema a quem privilegie a qualidade sonora, mas os temas incluidos em King Of The Delta Blues Singers são as raízes e um testemunho incontornável dos blues rurais no seu expoente máximo. Com um rei destes, dá vontade de ser monárquico.

De casa para o estúdio

2007-12-19T17:05:00.000Z

Ao quarto álbum, Sam Beam (aka Iron and Wine) acrescenta instrumentos e uma produção mais elaborada, menos doméstica, às suas canções. Depois de uma experiência bem sucedida na parceria com os Calexico, de que resultou um bom disco, apesar de curto, Beam regressa com algumas diferenças a assinalar. The Shepherd's Dog apresenta. em geral, um tom menos intimista do que os anteriores The Creek Drank The Cradle e Our Endless Numbered Days, a percussão é explorada com maior intensidade e fazem-se ouvir as guitarras eléctricas, embora com a suavidade exigida pelo baixo volume adoptado por Sam Beam quando canta. Há por aqui, uma vez mais, boas canções semeadas entre os campos da pop e do folk. Favoritas, para já: Lovesong Of The Buzzard, Carousel e Boy With A Coin.

Cubo mágico

2007-12-17T11:33:00.001Z

A propósito da guitarra no jazz, um amigo meu comentava há dias que não é apreciador. A conversa tinha a ver com a minha sugestão de que escutasse o novo disco de André Fernandes, jovem guitarrista português que acaba de editar Cubo. O CD é uma confirmação da notável mais-valia que este instrumentista representa no jazz que se faz em Portugal. Tem apenas oito temas, mas neles se revela um guitarrista a atingir grande maturidade na execução e na composição. Acresce que surge apoiado por três outros músicos que em muito contribuem para transformar este Cubo num dos bons acontecimentos da música criada no país nos tempos mais recentes. Nada menos que o pianista Mário Laginha, o baterista Alexandre Frazão e o contrabaixista Nelson Cascais. Um quarteto de luxo, portanto. De momento, quando me encontro ainda em fase de exploração do potencial de prazer deste CD, o destaque vai para a segunda faixa do disco, Sal, em que André Fernandes e Laginha tomam as rédeas. Mas há mais, desde as melodias do tema de abertura, Belzebu Is In The Building, e de Perto, à canção final, Foi-se Embora. Será um cubo, mas um cubo mágico.

Kashmir e muito mais

2007-12-12T11:57:00.001Z

Dezoito mil pessoas puderam testemunhar, em Londres, na segunda-feira passada, o primeiro concerto dos Led Zeppelin desde 1988. E os jornais de hoje dizem que se tratou de um assinalável sucesso. Robert Plant, Jimmy Page, John Paul Jones e Jason Bonham, filho de John Bonham, o falecido baterista da banda, deram uma volta pelos temas marcantes da carreira dos Zeppelin, aqueles que deixaram um registo indelével na história do rock. No texto sobre o evento que pode ser encontrado no caderno P2, do "Público", refere-se que Kashmir foi um dos momentos mais notáveis nesta prestação ao vivo dos influentes Zeppelin. Por acaso, Physical Graffiti, o álbum que integra a versão original daquele tema, esteve a rodar pelo meu leitor de CD, aqui há uns dias. Duplo vinil quando do seu lançamento, em 1975, é uma obra de grande fôlego, representando uma clara evolução da banda na direcção de composições e arranjos mais sofisticados e ousados, exigindo um suplemento de atenção a quem o escute, em comparação com álbuns anteriores, mais apostados no rock de apreensão imediata que transformou em hinos canções como Black Dog, Rock and Roll ou Whole Lotta Love. Kashmir é, também para mim, um dos grandes momentos de Physical Graffiti. Mas há muito mais, nesta obra intensa e ecléctica, desde o riff curto e pujante de Custard Pie até ao psicadelismo orientalista de In The Light. É um grande álbum, talvez aquele em que os Led Zeppelin atinjem o pico das suas potencialidades.

História de uma mentira piedosa

2007-12-09T19:16:00.002Z

Recordo-me, como se fosse hoje, do dia em que me ofereceram este disco, na versão em vinil. Fiquei desconcertado. Nunca tinha ouvido falar da banda que, aliás, ostentava um nome um tanto ou quanto difícil de soletrar. Como nunca fui rapaz para virar as costas a uma proposta musical desconhecida, lá coloquei o disco dos Spooky Tooth a rodar no velho prato portátil. Achei o som muito fechado, não se escutavam com clareza os pratos da bateria, o que para mim tinha uma importância fundamental na época em que Ian Paice, dos Deep Purple, era uma referência. Ainda assim, aderi de imediato a Cotton Growing Man, o tema que abria o disco. Sobre o resto, fui começando a gostar aos poucos, embora, por cerimónia, tenha garantido, a quem me passou o 33 rotações para as mãos, que apreciava tudo. De uma avaliação global positiva do álbum, que não passava de uma mentira piedosa, passei para algo mais circunstanciado. Há por aqui boas canções como Old As I Was Born, Wildfire, Self Seeking Man e Moriah, um óptimo vocalista de voz rouca e emocionada, de nome Mike Harrison, e uma sólida banda de rock e rythm'n'blues. Mick Jones, o homem que manuseava a guitarra, veio, depois, a fundar os Foreigner (blhaaac!). You Broke My Heart So I Busted Your Jaw é um disco obscuro, mesmo para quem viveu a estimulante era da primeira metade dos anos 70, mas é credor de alguma luz. Desde que o descobri na versão em CD, por acaso, num improvável escaparate do El Corte Inglès, em Lisboa, tenho-lhe prestado justiça com frequência.

Docas

2007-12-03T13:13:00.001Z

Há dias em que me sinto assim. E há dias em que gostava de estar assim. Sentado numa doca, a gastar o tempo. O desperdício, por um lado, e a tranquilidade que muitas vezes falta, por outro. Não passava de um puto quando a canção que dá título a este álbum póstumo de Otis Redding andou pelas rádios. É daquelas melodias que jamais me saiu da memória. Após muita procura e alguma hesitação, lá trouxe o disco para casa. E aqui estou, em mais uma experiência nostálgica, a escrever sobre um CD que inclui 11 temas, todos eles interpretados num tempo que, no meu tempo, se apelidava de slow. São todos bons, mas (Sittin' On) The Dock Of The Bay é um momento sublime para quem interpreta, para quem compôs (Redding e Steve Cropper) e para quem o escutou e persiste em não esquecer. Aqui fica mais um pedaço de nostalgia a propósito de uma carreira interrompida no auge.

Fresu e os veteranos

2007-12-01T23:05:00.000Z

O primeiro detalhe decisivo para fazer deste disco uma obra de audição incontornável para qualquer apreciador de bom jazz está na excelência das composições, todas da autoria da veterena pianista Carla Bley. Depois, a banda que executa os temas de The Lost Chords Find Paolo Fresu está muitíssimo bem servida de instrumentistas experientes e com anos consecutivos de presença na primeira linha. Para além de Bley, o quinteto integra Steve Swallow, no baixo eléctrico, Andy Sheppard, nos saxofones soprano e tenor, Billy Drummond, na bateria e, por fim, o trompetista Paolo Fresu. É em redor deste talento, de uma nova geração, que surge o pretexto para o álbum, explicado num texto bem humorado que pode ser encontrado no folheto que acompanha o CD. Tudo somado, o que fica? As melodias criadas por Carla Bley, derretidas, nota a nota, no trompete de Fresu a quem é dado grande destaque ao longo de todo o disco. Duas composições merecem ser sublinhadas: a suite The Banana Quintet e Death of Superman/Dream Sequence #1 - Flying. É de escutar e de chorar por mais.

Descoberta de um "clássico"

2007-11-30T21:30:00.001Z

Nos meus anos de descoberta inicial do jazz, Julian "Cannonball" Adderley ocupou um lugar especial nas minhas preferências. A forma poderosa como atacava o seu saxofone alto, o facto de ter ombreado com o mago John Coltrane na formação que gravou obras-primas como Kind of Blue, e o facto de surgir na liderança de um dos discos mais memoráveis dessa época dourada do jazz que mediou entre os anos 50 e 60, Somethin' Else, eram alguns dos tópicos que justificavam aquela atenção especial. Continuo a gostar muito deste músico. Ainda assim, nunca tinha colocado as mãos em cima deste disco de 1959, The Cannonball Adderley Quintet - Live in San Francisco, uma das grandes gravações de Adderley, aqui acompanhado por Nat Adderley, no trompete, Bobby Timmons, no piano, Sam Jones, no contrabaixo, e Louis Hayes, na bateria. Um naipe de grande gabarito, portanto. O disco merece o estatuto que lhe é actualmente concedido, sendo presença regular entre as grandes obras de jazz de sempre. Música acessível, vagueando os terrenos do bop e dos blues, mas de espírito aberto a outras referências, como fica notório em This Here, tema composto por Timmons evocando o universo de Hancock e prenunciando a adesão de Cannonball ao funky. É um grande álbum e dou-me por feliz pelo facto de ter acabado de preencher uma grave lacuna na minha cultura "jazzística".

O diamante de Bunyan

2007-11-27T18:03:00.001Z

Personagem invulgar, introspectiva. Perante a possibilidade de uma carreira capaz de expor e partilhar o seu talento como compositora e intérprete, Vashti Bunyan assumiu outras opções. Escolheu o recolhimento no mundo rural britânico depois de fazer algumas gravações e de ter editado alguns singles em meados dos anos 60. E voltou a desaparecer de cena após a gravação e o lançamento do seu primeiro álbum, em 1970. Just Another Diamond Day é uma colecção preciosa de temas intimistas, carregados de emoção, cantados por uma voz imaculada e serena, que não deixam indiferente quem se dedique a escutá-los com a atenção que merecem. Quando da sua edição, o disco recebeu escasso acolhimento. E as master tapes acabaram por ficar esquecidas num armazém londrino, durante 30 anos, até serem recuperadas depois de terem resistido a uma viagem de metropolitano e a uma carga de chuva durante uma operação de transporte. Bunyan, que entretanto lançou, apenas há dois anos, um segundo álbum, é agora objecto de culto. É uma justa credora deste facto, pela originalidade da sua música e pela irredutibilidade em relação à pureza da sua arte.

Chris Potter, plugged

2007-11-22T21:19:00.001Z

Há alguns outros saxofonistas que o merecem, mas se tivesse que citar aqueles que, entre os contemporâneos, mais me fazem exultar com a sua música, teria que optar por Branford Marsalis e Chris Potter. A sua produção nos últimos anos revela uma elevada maturidade, consistência e regularidade qualitativa. Em relação a Potter, não só se transformou numa peça essencial para o sólido trabalho desenvolvido pelo Dave Holland Quintet, como tem assinado, a solo, páginas brilhantes no cenário do jazz actual. O registo que serve de pretexto a este post, foi efecuado ao vivo, em Nova Iorque, no lendário Village Vanguard. Para além do saxofonista, a banda integra Adam Rogers, na guitarra, Craig Taborn, no Fender Rhodes, e Nate Smith, na bateria. Follow The Red Line apenas tem seis temas, mas neste repertório concentra-se uma elevada descarga de energia, em que Potter e Rogers arrebanham o essencial no que toca ao débito de solos electrizantes, apoiados por uma secção rítmica cheia de dinamismo. Este disco é um intenso sopro de vida.

Imortalidade assegurada

2007-11-18T19:15:00.001Z

Há anos que andava atrás deste disco. Não é fácil encontrá-lo nas lojas portuguesas e nem sempre está disponível para entrega imediata em sites de comércio electrónico. Cheguei a encomendá-lo na loja Trem Azul, em Lisboa. Mas os meses passaram e nunca recebi notícias. Na visita que lá fiz há uns dias, estava eu tranquilamente a passar a vista pela letra "h" quando dei de caras com uma capa que já me era familiar. Foi um momento de alegria. Saquei o exemplar, julgo que único, e tratei de formalizar, rapidamente, a transferência da propriedade para a minha esfera jurídica. Porquê tanta ansiedade? Porque este é um dos grande álbuns de trio de piano que alguma fez me foram dados escutar. A sessão é liderada pelo veterano contrabaixista Charlie Haden, complementada por outro grande vulto do jazz na bateria, Paul Motion. E para que tudo se conjugue na perfeição, é a Geri Allen que compete assegurar tudo o que diz respeito às intervenções do piano. Etudes inclui nove temas de música inspirada e motivadora, em que apenas duas faixas não são da autoria dos elementos deste trio. Foi um dos grandes discos de jazz dos anos 80 e continua a ser um grande disco. Acho que merece ter a imortalidade assegurada.

Tesourinho anti-depressivo

2007-11-13T22:26:00.001Z

Nem sempre encontro o tempo e a disposição. Mas, de vez em quando, gosto de passar a pente fino - ou, pelo menos, de tentar fazê-lo - as prateleiras das lojas em busca de velhas preciosidades dos anos 60 e 70. A motivação é evidente: encontrar versões em CD de álbuns ou singles que, à época, tiveram lugar na minha colecção ou que, pelo menos, teria gostado de ter por perto. Na transição entre aquelas décadas, a fusão de jazz e rock foi uma das novidades que mobilizou atenções. De repente, as bandas cresceram, adicionando uma secção de metais, e descolaram dos limites da pop para voos mais ambiciosos. É nesta onda que se inscrevem nomes como os Chicago e os Blood, Sweat and Tears. Mas, também, uma outra referência menos conhecida, mas que teve notórios méritos, incluindo o de poder constar entre o restrito número de bandas que actuaram em Portugal na altura. Refiro-me aos If, de quem encontrei muito inesperadamente na loja Trem Azul, em Lisboa, um exemplar do seu terceiro álbum, em versão remasterizada e enriquecido com dois apetitosos temas extra. Inclui Far Beyond e Forgoten Roads, lados A e B de um single que escutei em numerosas ocasiões, e temas mais elaborados, em que alguns dos bons instrumentistas que davam vida aos If aproveitavam para, na guitarra ou no saxofone, darem largas à sua criatividade. Este, está no papo. Para grande alegria minha.

Facto relevante

2007-11-07T13:51:00.001Z

Led Zeppelin III, um dos álbuns lendários da banda de Jimmy Page e Robert Plant, foi aqui recordado há uns dias, pelo Ipsilon. O post em causa provocou uma onda de choque com várias consequências. Em primeiro lugar, incentivou-me a ir ao baú recuperar outros velhos discos dos Zeppelin, que escutei com grande prazer. Mais tarde, voltarei a este tema. Em segundo lugar, espicaçou-me a curiosidade em relação à muito celebrada edição de Raising Sand, disco assinado por um dueto integrado por Alison Krauss e pelo vocalista dos autores de clássicos como Black Dog e Stairway to Heaven. Tenho sempre algum receio de ser confrontado com uma amarga desilusão quando me aventuro na escuta de álbuns recentes, mas obra de velhas glórias. Neste caso, há lugar para estupefacção, mas de sinal positivo. Raising Sand é um óptimo disco e uma das razões está no facto de as vozes de Krauss e Plant fazerem um notável casamento. As composições andam pelo cruzamento entre blues, folk e country, com uma produção que, no geral, lhes fornece um toque "low-fi" que só fica bem. Aqui está um dos factos relevantes do ano.

Eu ontem adormeci assim

2007-11-01T15:09:00.001Z

Para um músico sueco, o nome não cai como uma luva. Mas o pormenor pouco importa quando está em causa José González. Trata-se de uma vedeta na sua terra natal e por boas razões. Escreve canções no trilho de grandes figuras como Nick Drake ou Elliott Smith, suaves e melancólicas, e interpreta-as recorrendo à sua voz serena e às notas que vai arrancando, com elegância, da sua guitarra acústica. O pretexto para este post é a edição do seu segundo álbum, In Our Nature, que me deliciei a escutar ontem a horas de recolhimento e sossego, período do dia em que bardos como José González asseguram uma banda sonora adequada. Não deixa de ser curioso que o panorama escandinavo seja, actualmente, uma caxinha de boas supresas no que respeita a gente com talento para canções melodiosas e simplicidade nos meios utilizados, de que recordo os exemplares Kings of Convenience. José González vagueia por terrenos semelhantes, mas é mais intimista.

Viagem ao deserto

2007-10-25T21:33:00.001+01:00

Há uns dias, correspondendo ao desafio de um amigo que me propôs trocar a hipótese de presenciar o concerto do pianista Chick Corea por uma incursão nos sons do deserto do Saara, rumei ao grande auditório do Centro Cutural de Belém. Em causa estava a possibilidade de assistir a uma dupla prestação. A uma primeira parte da responsabilidade do guitarrista Vieux Farka Toure, filho de um grande nome dos blues do Mali, Ali Farka Toure, seguir-se-ia o prato principal, os Tinariwen, já catalogados como os Rolling Stones do deserto. Não sei se fiquei a perder com a troca, embore confesse que Corea não é daqueles pianistas que me faça tremer de entusiasmo. Apenas posso testemunhar que assisti a um grandíssimo concerto, com a sala felizmente bem composta e a terminar o serão de pé e a dançar, acolhendo o apelo irresistível e hipnotizador da banda tuaregue que, de guitarras em punho, despejou carradas de boa música sobre a audiência. É possível que, escutados ao ar livre, no ambiente em que se inspiram, os temas dos Tinariwen ganhem uma magia acrescida. No CCB, a experiência já foi soberba. E tenho-a prolongado através da audição do mais recente álbum da banda, Aman Iman: Water is Life.

Regresso ao passado

2007-10-20T01:01:00.000+01:00

Mais de um quarto de século depois do fim, o grupo britânico Led Zeppelin prepara-se para a ressurreição. Desconfio sempre destas recuperações de tempos e de modos. Mesmo quando aquilo que move respeitáveis anciãos da cena musical é puro e desinteressado, estes regressos são muitas vezes deprimentes. Seja qual for o resultado deste mergulho no passado, aproveito para recomendar a audição de um álbum que me marcou profundamente: Led Zeppelin III. Um dos trabalhos mais equilibrados do grupo de Jimmy Page e Robert Plant, com um lote de canções inesquecíveis. Não resisto a destacar Since I’ve Been Loving You, um exemplo de gestão perfeita de tensões crescentes que culmina num êxtase explosivo sublinhado pelo grito belíssimo de Robert Plant.

Mais pop dos balcãs

2007-10-19T16:35:00.000+01:00

O primeiro disco dos Beirut, banda que é pouco mais do que o nome artístico de Zach Condon, foi devidamente assinalado neste blogue como uma das grandes surpresas do ano passado. Aconselhei o álbum Gulag Orkestar pela qualidade das canções e pelo facto de se inspirar no folk balcânico, propondo uma viagem a sonoridades pouco vulgares no trabalho de um músico chegado do outro lado do Atlântico. O segundo disco já anda por aí, reforçando a minha convicção que, dentro daquilo a que já se convencionou chamar "pop alternativa", Condon é um nome talhado para rasgar fronteiras e chamar à primeira linha sons a que apenas eventuais apreciadores da música que ocupa as prateleiras da world dariam atenção, até agora. O novo álbum prossegue a exploração do potencial das tradições dos balcãs e surge enriquecido com orquestrações de metais que estão mais presentes, deixando uma das marcas fortes no trabalho. O título do disco é The Flying Club Cup e, para além do que oferece a escutar, tem uma capa notável.

O poder das guitarras

2007-10-15T16:35:00.001+01:00

Prosseguindo na onda dos blues, o destaque vai hoje para uma representante da minoria feminina em matéria de guitarra, mas que assina um disco poderoso. O adjectivo justifica-se, em primeiro lugar, pela grande quantidade de solos contagiantes que se podem encontrar em Blues Blast, a obra mais recente liderada por Debbie Davies. Os créditos devem ser atribuidos não apenas a Davies, mas também a duas outras participações que ajudam a enriquecer a música bem balançeada que se escuta neste disco: Tab Benoit e Coco Montoya. A isto terá de acrescentar-se o contributo de Charlie Musselwhite e a sua mestria quando se trata de arrancar notas da harmónica, o que constitui um argumento adicional para aderir a Blues Blast. E assim se explica como este álbum ajuda a convencer-nos que, tal como os diamantes, também os blues são eternos.

Harmónica mágica

2007-10-13T20:48:00.001+01:00

Vamos até ao Texas, beber umas cervejas e passar um serão a escutar blues rasgados e bem humorados? 'Bora! É mais ou menos este o sentimento quando se pega em Grease, Grit, Dirt and Spit, de Randy McAllister. Como o próprio confessa, a música que faz não é mais do que pegar nos velhos truques e voltar a arrumá-los, sem a pretensão de criar algo de novo, mas apenas a de renovar a energia primordial que continua a brotar das raízes. O que resulta é puro divertimento, muito à custa de uma banda em que os soberbos solos de harmónica de McAllister tomam a liderança para imenso prazer de quem os escuta. Não há artifícios, nem pirotecnias, apenas entretenimento despejado com empenho sobre os nossos ouvidos.

Do outro mundo

2007-10-08T00:34:00.001+01:00

Em cada novo álbum deste trio, raramente as expectativas saem defraudadas. Três músicos experientes, sólidos, emotivos, que se conhecem e tocam juntos há mais de duas décadas têm a obrigação de produzir música sublime e o único detalhe que, edição após edição, vai surpreendendo, é que se desembrulham dos seus deveres com a nota máxima e ainda são capazes de o fazer com uma evidente frescura. A nova gravação de Keith Jarrett, Gary Peacock e Jack DeJohnette foi registada ao vivo, no Festival de Montreux, em 2001. Traz mais uma mão cheia de "standards", incuindo incursões no jazz mais clássico e saborosíssimas homenagens ao ragtime. Jarrett solta-se, inspirado, sobre as telclas, Peacock atingiu um pico na profundidade com que tira as notas do seu contrabaixo e DeJonhette está mais criativo na bateria do que nunca. O disco vê a luz do dia seis anos depois de a música que o integra ter sido interpretada, tendo envelhecido como um vinho de alta qualidade. O trio é uma lenda viva e My Foolish Heart entra directamente para a galeria dos seus álbuns incontornáveis. Dos discos do outro mundo.

A alma de JJ Cale

2007-10-01T12:27:00.001+01:00

Antes de ver este documentário sobre a digressão de JJ Cale que promoveu o álbum To Tulsa And Back, estava convencido, como milhares de outros apreciadores, que o músico era uma pessoa calma e descontraída, dois traços que caracterizam as suas canções. Mas o próprio Cale trata, ou pelo menos tenta, desfazer a ideia. Com alguma ironia afirma que, pelo contrário, é uma pessoa nervosa. Se assim não fosse, como poderia meter-se na aventura de andar pela estrada, numa ampla camioneta, percorrendo os Estados Unidos com o objectivo de cumprir uma exigente agenda de concertos? Pode ser que Cale esteja a falar a pura verdade, mas o que se conclui a partir das imagens e dos depoimentos incluidos no DVD tem sobretudo a ver com a percepção mais comum de um guitarrista sem pressas e absolutamente fiel às suas raízes bem assentes no rock and roll, blues, jazz e country. JJ Cale não é apenas um grande compositor de canções simples, mas um óptimo guitarrista cujo estilo influenciou nomes como Eric Clapton, um dos colegas de ofício que surge neste documentário, ou Mark Knopfler e os Dire Straits. Cale gosta dos ambientes intimistas das pequenas salas, mais adequadas aos sons suaves da sua guitarra e da banda integrada por velhos amigos que o acompanham desde os primórdios da sua carreira. É um purista, muito dedicado à sua música mas escassamente preocupado com o marketing e que, por isso, recusa fazer actuações promocionais em playback porque, explica, é um músico e não um actor. To Tulsa And Back - On Tour With JJ Cale é um documentário de visionamento fortemente aconselhado a quem não dispense a música de Cale e queira conhecer melhor o percurso, o humor e os motivos por que uma personagem tão discreta é um dos mais influentes músicos das últimas décadas.

Prenda de aniversário

2007-09-29T18:25:00.001+01:00

Este blogue fez ontem um ano e eu esqueci-me completamente do aniversário. A ideia inicial foi a de falar de música e álbuns de que gosto, novos ou velhos, à medida que os vou escutando, sem qualquer especial critério de selecção. Por aqui, com maior ou menor regularidade ao longo dos últimos 12 meses, fui registando e partilhando as minhas impressões sobre o que, em cada momento, me apeteceu ouvir. Daí que, quando lancei o blogue, tenha escolhido o título de um livro de Paul Auster que me pareceu muito adequado ao espírito ecléctico e errante desta iniciativa. Até agora, estive sózinho na tarefa de ir alimentando este blogue, mas aguardo a estreia de Ipsilon, um novo colaborador, apaixonado por música como eu e que dispõe de um gosto igualmente abrangente, que vai desde a erudita ao rock, passando pelo jazz e por muitos outros estilos. Para assinalar este primeiro aniversário, aqui fica o destaque para um disco do guitarrista Bill Frisell que me acompanhou nas deslocações que efectuei durante as férias que estão hoje em vésperas de terminar. Trata-se de Gone, Just Like a Train, gravado em trio, com o baixista Viktor Krauss e o veterano baterista Jim Keltner. Tem um pouco de alguns dos ingredientes que mais aprecio, incluindo rock, folk e jazz, e o som característico de Frisell, um guitarrista de personalidade bem vincada e identificável a léguas de distância. É a minha prenda de aniversário para quem, por acaso, aterre nestas páginas.

Eu estive lá (nas duas vezes)

2007-09-26T00:35:00.000+01:00

Estive ontem no concerto dos Police no Estádio do Jamor e gostei. Não sou adepto das reuniões de velhas bandas, nem deixo de ser. Não há regras nesta matéria. Justificam-se estas digressões quando os músicos estão em forma e preservam as qualidades que os fizeram singrar. Tornam-se penosas de ver quando os veteranos não são capazes de evitar arrastar-se no palco sem gosto, nem empenho, fazendo a coisa numa tentativa patética de recuperar o brilho do passado e, de caminho, ganhar algumas coroas. Houve poucos saltos em cima do palco do Jamor e, 27 anos depois da apresentação dos Police no Restelo, uma parte da frescura foi-se, quanto mais não seja pelo facto de os temas mais desejados já não serem novidade. No Estádio do Restelo, em Setembro de 1980, canções como Don't Stand So Close To Me e De Do Do Do De Da Da Da eram absoluta novidade porque ainda nem tinham sido editadas. Na altura, a banda de Sting, Summers e Copeland ainda só tinha lançado os álbuns Outlandos d'Amour e Reggatta de Blanc. Mas pouco importa. No fim de contas, os milhares de pessoas que encheram o recinto estavam lá precisamente para reescutar, ao vivo, os clássicos de uma das melhores bandas de sempre. E sob este ponto de vista, o concerto de ontem representou duas horas de bom investimento. Sting está bem e ainda é capaz de fazer os agudos mais difíceis quando está para aí virado. Stewart Copeland mantém o seu estatuto de baterista irrequieto e vigoroso, enquanto Andy Summers, bastante mais discreto na pose, continua a ser um guitarrista criativo, passeando entre as referências do rock e do jazz. Message in a Bottle, Walking On The Moon, So Lonely e Roxanne foram apenas algumas das faixas incontornáveis que desfilaram pelo sistema de som para alegria da audiência. Em 1980, a entrada dos Police em palco foi precedida da audição de Voices Inside My Head, de Zenyatta Mondatta, em playback. Ontem, o tema, um dos meus favoritos, foi interpretado numa versão fundida com When The World Is Running Down, You Make The Best Of What's Still Around. Foi bom de ver que estes Police ainda têm muita autoridade. Agora, só falta um álbum de originais e um DVD documentando a digressão.

O regresso de um herói

2007-09-24T19:49:00.000+01:00

Posso estar a cometer um erro, mas descontando os dois álbuns iniciais relativos a bandas sonoras de filmes, não conheço mais nada da obra a solo do antigo guitarrista e lider dos Dire Straits, Mark Knopfler. Ou melhor, não conhecia mais nada, porque acabei de escutar a mais recente edição de Knopfler, Kill to Get Crimson, e fiquei rendido. O guitarrista não traz nada de novo, mas isso nem seria de esperar. Assina, no entanto, um álbum cheio de excelentes canções, tocado por uma pequena banda irrepreensível, navegando suavemente pelas águas do folk, dos blues e da pop. Knopfler mantém intacto o seu talento para fazer soar de forma melancólica e cristalina as cordas da sua Fender Stratocaster, os arranjos são impecáveis e esta é uma das grandes surpresas com que me deparei nos últimos tempos. Eis um músico que, pelo que pude constatar, envelheceu muitíssimo bem, o que não é vulgar nestes domínios.

It's only pop (but I like it)

2007-09-14T12:37:00.000+01:00

A biografia deste singer-songwritter californiano refere que Richard Swift passou uma boa parte da sua juventude enfiado em casa, a escrever canções e a registá-las num gravador com quatro pistas. Uma parte desse material terá sido utilizado nos seus dois primeiros álbuns, reeditados como um duplo em 2005. A arte de Swift está nas suas capacidades como compositor de temas pop low-fi, com especial destaque para as suas habilidades a trabalhar as melodias. É uma música sem pretensões especiais a que caracterizava aqueles dois primeiros discos e que molda, também, a nova obra que agora está por aí, de título Dressed Up For The Letdown. A revista Uncut, segundo se pode ler na sobrecapa que acompanha o CD, afirma que se trata de um álbum "magnífico". Eu não iria tão longe, mas não me repugna que este novo registo de Richard Swift, contendo dez novos temas, seja premiado com sete estrelas em dez.

Defeito de produção

2007-09-07T18:17:00.001+01:00

Primeiro comentário a este disco: a capa é simplesmente pavorosa. E se, tal como se costuma aconselhar em relação aos livros, não se deve julgar um disco pela capa, também é verdadeiro que um embrulho bonito dá mais prazer ao coleccionador compulsivo. Dito isto, vamos ao conteúdo. Joe Louis Walker é um competente bluesman, guitarrista com uma apreciável dinâmica e dotado de uma voz bem adequada aos terrenos que pisa. Em She's My Money Maker, Walker concentra-se na técnica do slide, ocupando uma boa parte do tempo a fazer deslizar o bottleneck pelas cordas. É um disco feito com ânimo e um bom exemplar entre uma escolha de obras recentes que vão mantendo os blues vivos e de saúde robusta. Mas tem um senão que lhe retira força. A produção, assegurada pelo próprio Joe Louis Walker, parece-me defeituosa. A guitarra soa demasiado alto em relação aos restantes instrumentos (teclas, baixo e bateria), o que acaba por ferir o equilíbrio geral. Ninguém é perfeito. E como produtor, Walker parece não ter engenho para fazer brilhar a sua própria música e, neste caso, a banda que o acompanha. Merecia melhor.

Música da rua

2007-09-03T17:57:00.000+01:00

Seasick Steve chegou a tocar com John Lee Hooker, mas foi apenas em 2006 que, finalmente, gravou o seu primeiro disco, já sexagenário. Percorreu mundo a partir dos 14 anos, depois de ter deixado a sua Califórinia natal. Primeiro, deambulou pelos Estados Unidos, tocando nas ruas para ir ganhando a vida. Depois, rumou à Europa, acabando por ir parar à Noruega, um local um tanto ou quanto improvável para um bluesman puro e duro. Dog House Music é o disco que marca a sua estreia discográfica. É um exercício praticamente solitário, em que Seasick Steve toca quase todos os poucos instrumentos que se podem escutar, incluindo alguns de fabrico caseiro. A música é crua, passando do seu intérprete para os receptores sem filtragem ou subterfúgios de produção. Tirando uma ou outra ocasião em que a guitarra e a voz surgem acompanhadas pela bateria, nada mais há do que um músico entregue a si próprio e ao seu talento para tocar os blues tal como soaram no dia em que nasceram.

Muitos mais anos depois

2007-09-01T10:56:00.001+01:00

Como qualquer adolescente daqueles tempos, conheci os Ten Years After através do clássico Love Like a Man. Acho que não deve ter havido, na minha geração, aprendiz de guitarra que não tenha começado por decorar a malha bluesy que era o prato forte do tema. A Space In Time é um álbum que surge mais à frente na carreira na banda. Depois daquele êxito e após o guitarrista Alvin Lee e os seus restantes três companheiros terem granjeado fama e proveito através da actuação no festival de Woodstock. Por que raio havia eu de me lembrar de ir recuperar este disco de uma banda de que praticamente ninguém se recorda nos dias que correm? Simplesmente porque se trata de um disco com uma meia dúzia de boas canções. Gosto das guitarras acústicas que dominam o trabalho e do riff de One of These Days, tema que abre o álbum. Também não escondo que a capa é daquelas que, naquele tempo, me faziam acreditar que com uma foto como a que nos surge pela frente o conteúdo só podia ser bom. Muita guedelha, muita barba mal aparada e um pouco de natureza a enquadrar o conjunto. Perfeito para uma banda de blues-rock no início dos anos 70.

Uma banda diferente

2007-08-29T17:54:00.000+01:00

A pop electrónica, simultaneamente retro e inovadora, dos Stereolab já foi merecedora de uma referência neste blogue há uns meses. Na ocasião, deu-se destaque a Margarine Eclipse. Hoje, como estava com algumas saudades de escutar esta banda, fui aos arquivos caóticos tentar encontrar Fab Four Suture, álbum editado no ano passado. E cá estão novamente os Stereolab a girar no leitor de CD com o seu minimalismo, as repetições hipnotizantes, a evocação da pop inocente dos anos 60, um pouco de funky aqui e ali, a electrónica a suportar os arranjos, melodias invulgares e alguns tempos desafiadores. Continua a ser uma das bandas mais estimulantes nos tempos que correm, pela originalidade da música que praticam.

Blues com caril

2007-08-27T12:58:00.000+01:00

Não faltam experiências, longínquas e recentes, com o objectivo de cruzar e fundir as tradições musicais do Ocidente e do Oriente. Harry Manx, um guitarrista sobredotado, que passou cinco anos da sua vida errante a estudar música e a fazer meditação na Índia, é um dos músicos mais bem sucedidos neste género de empreendimentos. Manx é, na sua raíz, um guitarrista de blues e folk e aquilo que consegue fazer nos seus discos é introduzir um estimulante tempero de sonoridades orientais que assentam como uma luva sobre a sua mestria na técnica do slide. A sua discografia é relativamente curta, porque Manx só começou a gravar no início da actual década. Mas cada um dos seus álbuns é merecedor de atenção. Por hoje, aqui fica a sugestão de audição de West Eats Meat, de 2004. Escutar a guitarra, o banjo e o veena a serem manuseados com competência e chama por Harry Manx é uma experiência quase mística.

Preguiça

2007-08-20T13:37:00.000+01:00

Numas férias de Verão, já lá vão muitos anos, um exemplar deste disco, na sua versão em vinil, preencheu tardes e serões de forma incansável. Os riffs e solos de Ritchie Blackmore, o som poderoso do órgão de Jon Lord, a voz de Ian Gillan, que qualquer candidato a vocalista de uma banda de hard rock tentava imitar, os breaks de Ian Paice e o baixo profundo de Roger Glover davam a volta à cabeça de qualquer um. Há uns tempos, vi o DVD da série Classic Albums que documenta, com entrevistas recentes a elementos dos Deep Purple, a história da gravação de Machine Head, incluindo pequenas curiosidades como a de se saber se Smoke on The Water é em Mi maior ou menor. Todos os temas do álbum são bons, mas há um que é particularmente especial, pelo menos para mim, porque revela a notória habilidade da banda para interpretar blues. Refiro-me a Lazy que, para desgraça de quem realizou o documentário e de quem o vê, é uma faixa completamente ignorada no DVD. Só gostava de saber porquê. Talvez seja apenas uma questão de preguiça.

Blues, rock e psicadelismo

2007-08-13T11:08:00.001+01:00

Sou grande adepto das sonoridades do rock psicadélico que se praticou entre o final dos anos 60 e o início dos anos 70, embora reconheça que nessa onda houve muito lixo que deu à costa. Foram frutos de algum experimentalismo bacoco, realizado em alturas em que os neurónios de quem tentava fazer música estariam enxarcados de substâncias que tolhiam a lucidez mínima para produzir alguma coisa de jeito. Mas isto faz parte da história desses tempos. Nos dias que correm, vai-se encontrando um ou outra banda com interesse, que se inspira nessas atmosferas. Uma das recentes que decidi escutar, após conselho de um amigo, foram os Map of Africa. Misturam muita coisa, com destaque para os blues e o rock, temperados com alguma electrónica planante e não teriam destoado se tivessem figurado no cartaz do lendário festival de Woodstock. Vale a pena dar uma vista de olhos - de ouvidos, mais acertadamente - por este disco.

Um êxito para consolidar

2007-08-05T21:04:00.000+01:00

Não há duas sem três. Assim, aqui vai mais uma sugestão para quem tenha pavor do jazz mas que, ainda assim, esteja disponível para ultrapassar o trauma. Herbie Hancock é um pianista incontornável na história do jazz na segunda metade do século XX. Era um jovem de 22 anos quando, no arranque da década de 60, liderou a sua primeira gravação de que resultou a edição de Takin' Off. O tema de abertura, Watermelon Man, é mais uma paragem incontornável para um percurso de adesão ao jazz e outro daqueles temas que entram no ouvido sem pedir licença.

Um êxito para prosseguir

2007-08-01T21:55:00.001+01:00

Prosseguindo na tentativa de angariar novos adeptos para a "causa" do jazz, aqui vai mais uma sugestão de um disco perfeitamente adequado à conquista de ouvidos pouco treinados para o género ou de mentes desconfiadas quanto a propostas de audições nesta área. O álbum chama-se Time Out e, à semelhança de Moanin', costuma aparecer nas mais diversas listas destinadas a identificar as grandes obras de sempre. Take Five é o tema adequado para quem queira começar pelo mais fácil. É mais uma melodia que o melómano mais distraído reconhecerá imediatamente e, ainda mais importante, rapidamente começará a trautear. Apenas para registo, Time Out é a obra mais celebrada do pianista Dave Brubeck, músico veterano que aliou o jazz às tradições clássicas que ajudaram a moldar a sua formação enquanto músico.

Um êxito para começar

2007-07-31T19:00:00.001+01:00

Já aqui manifestei a opinião de que muitos apreciadores de música que afirmam não gostarem de jazz podem ficar a dever essa antipatia pelo facto de terem entrado, ou de terem sido induzidos a entrar, neste vasto e fascinante terreno pela porta errada. De alguma forma, exigir que um recém-chegado adira ao jazz começando por escutar discos de grandes nomes do free, é um absurdo semelhante ao de tentar adaptar ouvidos à música erudita iniciando a jornada de descoberta através da audição de obras dos mais complexos compositores contemporâneos. A verdade é que a história do jazz está semeada de grandes êxitos. São dúzias de temas acessíveis de que qualquer pessoa pode gostar desde a primeira apresentação. Do meu ponto de vista, é precisamente por aqui que se deve começar. Para quem estiver tentado a fazer a experiência, aqui deixo a sugestão de que escutem Moanin', de Art Blakey & The Jazz Messengers. A introdução é imediatamente reconhecível. Depois, é só deixar correr o tema e perceber que, afinal de contas, o jazz deixa-se ouvir.

Higiene matinal, II

2007-07-27T17:11:00.001+01:00

Tenho-me mantido, nos tempos mais recentes, agarrado aos blues. E hoje decidi recuperar um disco em que não colocava as mãos já há algum tempo. É de Otis Taylor, um dos mais estimulantes reinventores do género. É um adepto da pesquisa de novas propostas a partir das raízes dos blues rurais e é capaz de lançar desafios tão interessantes como o de misturar a solenidade e melancolia dos violoncelos com as guitarras e as harmónicas. Por agora, dou-me por muito satisfeito por ter retomado o contacto com Double V, disco muito celebrado quando da sua edição em 2004.

Higiene matinal

2007-07-17T17:49:00.001+01:00

De vez em quando, é essencial limpar o sistema auditivo com um regresso aos blues. Faço-o com alguma frequência e quase sempre com enorme prazer. Desta vez, o músico contemplado foi Joe Louis Walker, um guitarrista que conjuga a energia hipnótica primordial dos blues com a religiosidade do gospel, decorando esta fusão com solos executados com convicção contagiante. Entre as suas gravações mais recentes, destaca-se In The Morning, que mereceu hoje ser transportado para o carro com o objectivo de animar as deslocações suscitadas pelos deveres profissionais. É tudo bom, mas o instrumental 2120 South Michigan Avenue mereceu duas ou três repetições.

Viva Binney!

2007-07-10T00:12:00.000+01:00

Acabei de descobrir que, apesar de ser um seguidor atento da sua obra, ainda só citei um disco de David Binney ao longo da vida ainda curta deste blogue. Hoje, apeteceu-me escutar um dos discos deste saxofonista alto. É um daqueles nomes que, habitualmente, está arrumado nos escaparates do jazz contemporâneo. Trata-se de uma classificação como qualquer outra. Serve para uma pessoa se orientar na pesquisa de novidades, realmente novas ou velhas, mas não diz tudo sobre o que se pode encontrar sob aquele rótulo. Binney é um óptimo executante. Mas, muito mais importante, é o facto de as suas gravações serem partilhadas por músicos que, pelo empenhamento que evidenciam, conseguem transmitir a quem os escuta um entusiasmo autêntico pelas composições do saxofonista. É na composição que David Binney mostra o seu melhor. Escutem-se, pelo menos, os temas Lisliel ou Frez, do álbum Welcome to Life, e ficar-se-á a perceber o que quero dizer quando me dou à pretensão de assegurar que Binney é um músico especialmente talentoso no equilíbrio entre a criação de música inovadora, viva, acessível, emotiva, desafiadora para quem a toca e ouve. Viva Binney!

Frutos suculentos

2007-07-02T18:13:00.001+01:00

Algures nos arquivos deste blogue, relativos a Novembro de 2006, escrevi um texto laudatório sobre o disco de estreia dos B-52's. Como ficou registado, acho que é um dos grandes álbuns de sempre da pop e nada, ou quase nada, voltou a soar de forma semelhante. Nem sequer a própria banda conseguiu voltar a fazer algo tão inovador e surpreendente. E houve que esperar dez anos, entre 1979 e 1989, para voltar a escutar um álbum dos B-52's realmente merecedor de atenção e de encómios. Foi naquele ano que surgiu Cosmic Thing, um disco que não tem a veia desbravadora de novos caminhos que caracterizou o álbum de estreia da banda, mas que é uma notável colecção de canções pop, com o toque de loucura, humor e festança que sempre esteve associado aos B-52's. Entre os pontos altos, estão temas como Love Shack, Deadbeat Club e Roam. As vozes de Cindy Wilson e Kate Pierson são dos frutos mais suculentos da história da pop.

Blackbird, finalmente

2007-06-29T20:10:00.002+01:00

Acho que já deu para perceber que ando numa fase revivalista dos Beatles. De vez em quando, dá-me para isto. E quando a ocasião surge, geralmente concentro-me nos temas produzidos pela banda durante a segunda metade dos anos 60. Um dos estímulos mais recentes para regressar à obra dos fab four esteve no facto de, finalmente, me ter dado ao trabalho de aprender a tocar Blackbird na guitarra. A Internet é uma poderosa ferramenta para encontrar as mais diversas tablaturas e, no caso em apreço, revelou-se decisiva para me permitir aprender todas as "malhas" desta pequena preciosidade incluída no White Album. Ao contrário do que sucede com muitos apreciadores dos Beatles, não acho que este seja o seu melhor álbum, e um dos motivos está na circunstância de achar que é o resultado de esforços individuais, muito mais do que um verdadeiro trabalho de equipa. Ainda assim, integra muitas canções históricas, como While My Guitar Gently Weeps, ou outras menos badaladas, como Dear Prudence, que estão entre as minhas favoritas de sempre. Blackbird é a cereja por cima deste bolo.

A celebração de Neil Young

2007-06-25T22:19:00.001+01:00

Neil Young está bem consigo próprio. Esta é a primeira sensação que se retira do visionamento de Heart of Gold, o DVD que testemunha um excelente concerto, em que Young passa em revista a sua já longa carreira, com paragens em muitos dos temas marcantes de diferentes épocas do seu percurso. Rodeado de uma banda competentíssima, o músico canadiano concentra-se no country e na folk, os estilos em que, do meu ponto de vista, Young obteve melhores resultados. O concerto é pontuado por intervenções curtas, em que Neil Young reforça a ponte de comunicação que estabelece com a audiência, contando pequenos episódios com alguma relação com o tema que vai tocar a seguir. Este é um grande acontecimento, com uma óptima realização e um som igualmente de grande qualidade.

Quanto mais velho, melhor?

2007-06-21T23:42:00.001+01:00

A propósito de Beatles, Paul McCartney e John Lennon foram os antigos elementos da banda de Liverpool que menos me entusiasmaram no período posterior ao da separação. De forma geral, achei os seus trabalhos insípidos, banais, parecendo que a ambos faltava a sua outra metade. Depois, o excessivo envolvimento das respectivas mulheres nos seus álbuns sempre me pareceu despropositado, dada a total ausência de credenciais musicais de Yoko e Linda. Para completar, os temas em que lançavam farpas e desabafavam ressentimentos contra o ex-parceiro evidenciavam um lado mesquinho que diminuia tudo o que de genial um e outro fizeram nos anos 60. Tudo isto vem a propósito do novo disco de Paul McCartney, Memory Almost Full. Para minha surpresa, é um grande álbum, tem canções à altura dos talentos de melodista do ex-Beatle, sendo que a minha favorita, por agora, é Ever Present Past. Fico satisfeito, sempre que um antigo elemento dos Beatles faz um bom álbum, o que foi relativamente raro desde a sua separação.

Beatles, depois dos Beatles

2007-06-19T12:28:00.001+01:00

Se me pedissem para escolher o melhor álbum gravado por cada um dos quatro ex-Beatles nas suas carreiras a solo, eu não hesitaria nem por um segundo. Apontaria All Things Must Pass, o álbum que, na sua edição original, continha três discos, dois de canções e um terceiro com o registo de "jam sessions" realizadas durante a gravação. George Harrison acumulou muito material de enorme qualidade enquanto era guitarrista dos "fab four", banda que viveu de forma quase esmagadora à custa das composições da dupla Lennon-McCartney. E quando os Beatles deram o triste pio, tinha canções para fazer um album notável, à custa de Beware of Darkness, I'd Have You Anytime, What is Life ou, até, a faixa melancólica que fornece o título à obra. Aqui fica a sugestão de um regresso retemperador a uma obra-prima da pop, na versão remisturada pelo próprio George Harrison.

Vem aí o Verão, III

2007-06-18T00:00:00.001+01:00

Aqui fica uma graça. Faz-me lembrar outros verões, em tempos idos, quando a new wave foi acompanhada de uma onda de revivalismo do ska. Tudo começou há 30 anos com a explosão do punk. The Specials foram um dos nomes que chegaram com a maré e impuseram-se. Não lhes liguei grande coisa na época, porque andava virado para material um pouco mais "sério". Agora, à distância, canções como A Message to You Rudy e Do The Dog deixam-me bem disposto, embora também um pouco melancólico. Fiz o respectivo download, legal sublinhe-se, em conjunto com outros temas que andaram pelas rádios na altura do seu aparecimento e tenho-me divertido à grande com a audição. Excelente anti-depressivo.

Vem aí o Verão, II

2007-06-13T19:07:00.001+01:00

E aqui vai uma segunda proposta para os dias de calor em que espero que eu e os leitores deste blogue tenham a oportunidade de descomprimir e mandar às malgas as responsabilidades profissionais. Trata-se de mais um trio que me foi apresentado há uns dias. Na liderança da banda está o guitarrista Björn Vidar Solli, seguindo-se o orgão de Daniel Formo e a bateria de Truls Ronning. São três belíssimos improvisadores, que honram as tradições deste formato na história do jazz, partindo dos terrenos modelados pelos clássicos para fazer música fresca, impulsiva, a que se adere sem resistência. O álbum chama-se Solid! e parece-me ser um título honesto e adequado ao que o trio nos dá a escutar.

Vem aí o Verão

2007-06-12T00:23:00.001+01:00

Agora que o Verão está aí à porta, está na hora de começar a preparar alguns discos que, ainda que escutados em casa, evocam um fim de tarde passado numa esplanada a escutar música merecedora de atenção e gratificante. End of the World Party (Just in Case) é uma primeira proposta. Não sou grande conhecedor da obra deste trio, Medeski, Matin & Wood, mas o disco em apreço conquistou-me. Há um pouco de jazz, um pouco de pop, tudo embrulhado em funky-grooves. Mas atenção: os músicos são bons, não se resumem a colar meia dúzia de samples, aproveitam o tempo para se divertirem, e nos divertirem, com alguns solos bem atacados. No fim, ficamos de bem com a vida, com vontade até, de dar um pé de dança ao som da batida contagiante da maior parte dos temas. Com música assim, até pode chover que ninguém fará caso.

Memórias de uma injustiça

2007-06-09T18:24:00.001+01:00

Bem sei que o mundo não é um lugar justo e que há muitos músicos que têm grande dificuldade em ver os seus talentos reconhecidos pelo público. Um dos casos é este pianista, João Paulo Esteves da Silva, instrumentista e compositor de grande nível, que já leva alguns bons anos de carreira discográfica mas que tenho a impressão de que tem sido mal amado. O seu trabalho mais recente, Memórias de Quem, é um exemplo. Esteve por aí nos escaparates durante uns dias, numa tentativa de o promover que pecou por demasiado fugaz, tendo em consideração o seu conteúdo. João Paulo regressa a solo, em grande forma, com temas que vão contrastando. Desde as melodias que evocam tradições portuguesas, de que se pode invocar Mi Alma, a passos mais ousados como O Incêndio. É um grande disco de piano. Recomenda-se a quem queira escutar boa música feita em Portugal e que, já agora, esteja na disposição de reparar uma injustiça.

Momento desinspirado

2007-06-08T17:22:00.001+01:00

Cá está outro daqueles músicos de pop de quem sou capaz de comprar os discos sem sequer os ouvir. Não me tenho dado mal com a situação e o anterior álbum de Josh Rouse, Subtitulo, foi uma surpresa esmagadora quando tive a oportunidade de chegar a casa e desfrutá-lo. Desta vez, porém, enganei-me. Depois de uma série de álbuns cheios de canções capazes de encher os ouvidos e o espírito, Country Mouse sabe a pouco. Sabe, essencialmente, a falta de inspiração. É um desfile de temas que soam a terreno pisado e repisado pelo próprio Rouse, exceptuando um ou outro momento menos desinspirado. Parece que está na altura de Josh Rouse tirar umas férias para tentar regressar em pico de forma.

Gilmour a solo

2007-06-06T16:32:00.001+01:00

Gostava da voz de David Gilmour, antes de o tempo e os esforços acumulados não lhe terem dado cabo daqueles agudos serenos. E foi por mera nostalgia que, há uns dias, decidi adquirir aquele foi o seu primeiro álbum a solo. Para além da voz, indissociável de alguns dos momentos mais notáveis na carreira dos Pink Floyd, Gilmour era, e acho que ainda é, um dos grandes guitarristas do rock. O disco em causa não é nada do outro mundo e alguns dos temas poderiam ter sido incluidos, talvez com outros arranjos, num álbum da banda a que David Gilmour dedicou a maior parte do seu percurso como músico. Gosto, sobretudo, do instrumental que abre o disco, com uma atmosfera muito próxima de Animals, e de There's No Way Out of Here. O resto vai tendo graça, aqui e ali, mas é banal.

Liberdade e rotina

2007-06-04T17:48:00.001+01:00

Electrónica, bossa-nova, ritmos caribenhos, pop e canções que soam como uma suave brisa escutada numa esplanada à beira-mar num dia em que, provavelmente, nem sequer estará bom tempo para uma pessoa se estender na areia e desfrutar do sol. É assim que a música dos The Sea And Cake me soa. Depois de ter adquirido o álbum mais recente da banda, e sendo já proprietário dos dois discos a solo do guitarrista Sam Prekop, empreendi a tarefa de descobrir as edições anteriores do grupo. Com algumas diferenças na preponderância de um ou outro ingrediente, há muita coisa para desfrutar no trabalho dos The Sea And Cake. Para já, Oui está na minha playlist, com direito a ser escutado todos os dias de manhã nas viagens para o trabalho e de regresso a casa. É como respirar alguma liberdade antes e depois de um dia longo a tentar respirar pelo meio da poeira da rotina.

Laginha no seu melhor

2007-06-02T19:23:00.001+01:00

Aqui está mais um disco para alimentar, com elevadas calorias, o meu apetite muito particular por trios de piano. Mário Laginha é um dos grandes instrumentistas portugueses nesta disciplina e, pedindo desculpa por não agradar a muitos apreciadores da cantora, não me parece que o seu melhor esteja nas parcerias que tem gravado com Maria João. Por mim, muito simplesmente, prefiro escutá-lo quando assume o protagonismo. As melodias deste Espaço são irresistíveis e, caramba!, o homem é um pianista de mão cheia que, ainda por cima, está acompanhado de um contrabaixista e um baterista que brilham e ajudam o mestre a brilhar. Querem escutar boa música feita por portugueses? Pois, então, agrarrem este disco.

Os militantes e os outros

2007-06-01T16:50:00.001+01:00

Como qualquer leitor que já tenha perdido algum do seu precioso tempo a ler as páginas deste blogue poderá perceber, gosto muito de jazz. Mas ainda gosto mais de música, o que significa que não esgoto a minha atenção num ou noutro estilo. Pelo contrário. Tenho a preocupação de escutar um pouco de tudo em busca de novas fontes de prazer. Sim, no que toca pelos menos à música, não haja dúvidas de que sou um puro hedonista. É por isso, e sobretudo por acaso, que por aqui vão desfilando os álbuns mais diversos de acordo com aquilo que me apetece escutar em cada momento. Hoje, decidi fazer vibrar os tímpanos com um disco dos Psapp. Optei pela sua edição mais recente, The Only Thing I Ever Wanted. Mistura electrónica, ruídos de percussão invulgares como o som de gravilha a ser lançada no chão, vozes femininas tão indiferentes que conseguem abanar a indiferença de quem as ouve. É um disco indispensável. Desde que se goste de música e não se seja apenas militante de um qualquer estilo.

Como tramar um martelo e um berbequim

2007-05-26T17:02:00.001+01:00

Confissão: nunca escutei este álbum do princípio ao fim. Comprei-o em obediência a um impulso consumista pateta. Com franqueza, considero que aquilo que se escuta neste CD não é música, mas admito que o defeito até seja meu. Também não compreendo por que motivo este acidente na carreira de Pat Metheny foi tão elogiado. Cerca de uma hora de pura distorsão parece-me apenas agressão sonora. Mas talvez eu seja um bota de elástico. O que nunca imaginei é que a posse de Zero Tolerance for Silence me viesse a ser útil para protestar com o vizinho que não cessa de furar as paredes e de martelar pregos a qualquer hora. Hoje, mal começou o ruído algures num andar perto de mim, coloquei este disco a tocar, com volume redobrado, fui tomar café e comprar o jornal e só regressei uma hora depois. O prédio estava em profundo sossego. Quanto tempo vai aguentar-se assim?

Um dueto surpreendente

2007-05-24T15:45:00.001+01:00

Solução pouco habitual no jazz, este disco faz um encontro entre o piano e o banjo pelas mãos de dois executantes com currículo em cada uma das disciplinas. Fui surpreendido por esta edição recente que me espicaçou a curiosidade. Conheço melhor a obra de Chick Corea do que a de Béla Fleck, mas fiquei com vontade de compensar os pesos da balança. Os temas de The Enchantment apostam na melodia, percorrem, aqui e ali, o gosto pelos aromas latinos do pianista, que semeia neste disco os seus solos feitos de notas bem claras e definidas. Fleck faz algumas maravilhas com o banjo e se é verdade que não há nada de revolucionário na gravação, também é justo afirmar que a música produzida por este dueto é calorosa e provoca boa disposição.

Como tramar um berbequim

2007-05-23T20:00:00.001+01:00

Um dos mistérios insondáveis no prédio em que habito está no facto de haver um vizinho, ainda não descobri qual, que tem o passatempo de furar paredes. Desde que se mudou para cá, não há dia, a começar logo pela manhã, em que não se escute o ruído do berbequim a abrir caminho pelo estuque dentro. Suponho que, por esta altura, a casa deva estar parecida com um queijo suíço. Desde que não deite o edifício por terra, não é problema meu. Apenas gostaria que perturbasse menos o sossego alheio. Mas, enfim, como se costuma dizer, é a vida. Para combater a poluição sonora, não há como escolher um disco que consiga erguer uma muralha de som. E quantos mais instrumentos, melhor. Hoje, perante nova investida deste indefectível adepto da Black & Deker, rodei o botão do volume para níveis habitualmente pouco frequentados enquanto escutava Inside Out, do trompetista Randy Sandke. O disco é apresentado como um encontro entre o mainstream e a "nova música" e, de facto, é mesmo disso que se trata. Tocado por um noneto em que figuram vedetas como Ray Anderson, Wycliffe Gordon ou Uri Caine, é uma espécie de clássico moderno, suficientemente poderoso para dar luta ao ataque de um berbequim.

Guitarra e violoncelo

2007-05-20T13:16:00.001+01:00

Aqui há uns tempos, um amigo que é grande apreciador de guitarra descobriu o encanto da música de Bill Frisell. Julgo que escutou o álbum que foi recentemente editado por Frisell, na companhia do contrabaixista Ron Carter e do baterista Paul Motion, e ficou fã. Fez bem, porque Bill Frisell é um dos bons instrumentistas que por aí anda. Quando me perguntou se eu teria algumas sugestões de outros álbuns que lhe pudessem interessar, aconselhei Lookout For Hope, de 1988. Hoje, lembrei-me desse episódio. E como, também eu, estava com vontade de ouvir a guitarra terna de Frisell a derreter notas sobre os meus ouvidos, fui buscar aquele álbum para o colocar a rodar no leitor de CD. Um dos aspectos que me atrai no disco é o facto de o quarteto, para além da guitarra, contrabaixo e bateria, incluir um violoncelo, conjugação invulgar mas que resulta muito bem nesta gravação.

Novamente Jarrett

2007-05-19T17:16:00.001+01:00

Para quem, como eu, tenha uma predilecção especial por trios de piano, há muito por onde escolher nos dias que correm. O piano é um instrumento bem servido de bons executantes, de Mulgrew Miller a Brad Mehldau, de Kenny Barron a Jason Moran, para apenas citar quatro nomes que me vêm de repente à memória. Este post, no entanto, não é sobre qualquer um deles mas, novamente, sobre Keith Jarrett. Concretamente, sobre a fenomenal música que se pode escutar nos seis CD editados em 1995, gravados ao vivo em três noites no Blue Note, em Nova Iorque. Hoje retirei da caixa o último disco e deliciei-me com clássicos como Time After Time e temas de puro improviso, criados na hora em cima do palco, como Desert Sun. A complementar a inspiração e o virtuosismo de Jarrett, estão os seus companheiros de mais de duas décadas, Gary Peacock e Jack DeJonhette. Um trio perfeito.

Um aroma global

2007-05-17T19:18:00.000+01:00

Hoje apeteceu-me ouvir este disco. É daqueles que já há muitos meses estava repousado numa prateleira, fazendo parte dos exemplares que têm o privilégio de estar arrumadinhos, por ordem alfabética, integrando uma minoria que, por esta razão, é fácil de encontrar. Ben Allison é um bom contrabaixista e um excelente compositor. Em Third Eye, actua com o octeto Medicine Wheel e percorre, em nove temas, aquilo que eu qualificaria livremente como world-folk-jazz, isto é, uma mistura de tudo isto. Ouvem-se clarinetes, saxofones, piano preparado e, até, um oud. O elenco é de prestígio. Inclui nomes como Ted Nash, Frank Kimbrough, Jeff Ballard ou Ron Horton, gente que também frequenta o Jazz Composers Collective e o Herbie Nichols Project. É deste pianista, aliás, um dos grandes momentos de Third Eye, com a faixa Love is Proximity.

Prekop e a sua banda

2007-05-16T18:01:00.001+01:00

Sou grande fã dos dois trabalhos a solo do guitarrista Sam Prekop. Gosto da mistura entre pop, bossa nova e folk que caracteriza os discos em causa, constituidos por canções frescas e relaxantes. Conheço mal, no entanto, a obra deste músico enquanto elemento dos The Sea And Cake. Acabei de encontrar uma oportunidade para preencher esta lacuna. O novo CD da banda surgiu por estes dias nas lojas. É um pouco mais "roqueiro" em comparação com o som de Prekop a solo, mas aqui "pouco" significa mesmo "muito pouco". Estamos no reino da descontracção e da pop alternativa que se distingue por ser boa música e não por se tratar de bom ruído. Everybody é um disco a descobrir.

Preservar as boas memórias

2007-05-15T16:51:00.002+01:00

Tenho a versão em DVD de um concerto dos Beach Boys realizado no início dos anos 80. Visionei-o apenas uma vez, guardei-o e julgo que jamais voltarei a colocá-lo no leitor com o objectivo de o rever. Achei demasiado deprimente escutar aquelas canções juvenis da década de 60, interpretadas por uma banda que tentava, com muito pouca convicção, combater a evidente decadência. Naquele concerto, o contraste entre a alegria dos temas originais e o penoso arrastar dos Beach Boys em palco é algo que entra na esfera das coisas insuportáveis, que mais vale evitar. Não sei se os The Who, que amanhã actuam em Lisboa, andarão pelo mesmo caminho. Talvez não, a avaliar por uma ou outra prestação deles a que "assisti", também através de DVD. Mas há aspectos essenciais na música da banda que ficaram irremediavelmente pelo caminho, a começar pela voz de Roger Daltrey. Assim, apesar de ter sido desafiado a ir ao concerto, acho que vou recusar. Prefiro preservar as boas memórias e mantê-las resguardadas de quaisquer atentados. Talvez dedique um dos próximos dias à audição de Quadrophenia, uma das obras maiores dos The Who, dos tempos em que eram um dos grandes fenómenos do rock.

O passado de Keith Jarrett, II

2007-05-14T16:34:00.001+01:00

Antes de ser o pianista criativo, exuberante, profundamente concentrado na exaltação do improviso puro que caracteriza as suas obras mais recentes, Keith Jarrett teve os seus anos de aprendizagem, em que foi pisando prudentemente o terreno do trio de piano até se sentir seguro para se lançar em aventuras mais atrevidas. Em Somewhere Before, de 1968, aquilo que se encontra é um pianista em busca do seu lugar como líder de uma banda, ousando gravar um disco em que todos os temas à excepção de um, My Back Pages, de Bob Dylan, são da sua autoria. Os desconhecedores desta fase inicial da carreira de Jarrett, depois de ter abandonado a banda de Charles Lloyd, encontrarão, na abordagem dos temas, a delicadeza e o liricismo que fizeram de Bill Evans uma referência para quase todos os grandes pianistas contemporâneos e posteriores. É um Keith Jarrett em fase de acumulação, como um vulcão prestes a explodir, aquele que se pode escutar neste disco. E que ninguém se deixe enganar com a frouxidão dos aplausos que se ouvem no final de cada faixa. Este é um disco a não perder na vasta discografia de Jarrett.

O teenager retardado

2007-05-13T19:56:00.001+01:00

Um amigo meu, que já não é propriamente um teenager, esteve ontem à noite em Coimbra para assistir ao concerto de George Michael. Não o critico por isso. Há coisas pelas quais eu percorreria 400 quilómetros, ou até mais, mas não um espectáculo do antigo elemento dos Wham. Os gostos discutem-se mas também se respeitam. E quanto ao adolescente que, passe a literatura barata desta frase, vive em cada um de nós, eu tenho outras preferências. Por exemplo, os Cranberries. Já não era um jovem quando a banda apareceu e, no entanto, cheguei ao ponto de comprar um dos seus álbuns, aquele que inclui Linger, intitulado Everybody Else is Doing It, So Why Can't We?. A vocalista é cativante e este facto acaba por conseguir disfarçar muitas outras insuficiências. A começar por uma notória falta de imaginação das composições, assentes em dois ou três acordes que podem ser suficientes para fabricar êxitos dirigidos a quem ainda anda na fase da descoberta da música, mas que pouco mais acrescentam ao processo de enriquecimento de quem queira ir mais além. Parece que o concerto de George Michael teve 20 minutos de intervalo pelo meio. Ora, eu teria aproveitado para ligar o leitor de MP3 com o objectivo de escutar os Cranberries. Bastaria regressar a Linger e accionar a função repeat. O resto, contra mim falo, não tem grande interesse.

Eu ontem adormeci assim

2007-05-12T17:54:00.001+01:00

É lamentável, mas o tempo não chega para tudo. Para escutar música ou ler os livros que se vão acumulando sem que surja uma oportunidade para lhes pegar. Felizmente, há escritores que resolvem uma parte do problema. Escrevem curto e o tamanho das suas obras é inversamente proporcional à dimensão do seu talento para contar histórias. Ontem, peguei na novela, acabada de ser editada em português, de Ian McEwan, Na Praia de Chesil. O cansaço não me permitiu devorar tudo, mas consumi um número de páginas suficiente para ficar a achar que se trata de um dos grandes livros de McEwan. Entre muitas outras coisas, trata de um problema de comunicação e das suas consequências numa situação em que devia haver fluidez e partilha entre duas pessoas. Talvez por isso, após ter fechado o livro peguei no iPod e decidi escutar Communiqué, dos Dire Straits, até ser vencido pelo sono. Ainda deu tempo para reescutar as guitarras límpidas que dominam o álbum em temas como News, Single-Handed Sailor e desfrutar da serenidade de Follow Me Home. Boa literatura, boa música e um bom final de dia.

O passado de Keith Jarrett

2007-05-11T17:03:00.000+01:00

Decidi andar uns bons para trás na carreira de Keith Jarrett, um pianista com presença constante entre os discos que sujeito a maior desgaste sob os efeitos do laser do leitor de CD. E fui até a uma gravação que já não escutava há algum tempo, Fort Yawuh, registado ao vivo em 1973, no Village Vanguard, em Nova Iorque. Jarrett aparece aqui em quinteto, com Dewey Redman (saxofone tenor), Charlie Haden (contrabaixo), Paul Motion (bateria) e Danny Johnson (percussão). Jarrett, uma das sensações da época, expõe neste disco a sua visão sobre a fusão e o free, mas acrescenta-lhe a sua predilecção pelo improviso sobre temas de pendor mais "clássico", perfumados com um pouco de inspiração à John Coltrane. Há um claro contraste entre faixas como (If the) Misfits (Wear It) ou De Drums e a balada Still Life, Still Life. Para além da competência dos músicos que acompanham Keith Jarrett, é nesta diversidade de referências que está um dos poderes mágicos deste álbum. Um produto da época, mas que se pode, hoje em dia, desfrutar com grande prazer. Além do mais, a versão em CD traz 20 minutos de um tema extra, Roads Travelled, Roads Veiled e a oportunidade de escutar Jarrett a tocar saxofone soprano.

Björk dá-me a Volta

2007-05-09T17:49:00.000+01:00

Descobrir um excelente disco é bom. Descobrir dois é ainda melhor. Depois de Frida Hyvönen, dei de caras com Volta, o novo de Björk. Já tinha lido algumas referências elogiosas ao mais recente CD da islandesa e estava com grande curiosidade de saber que desafios nele se poderiam encontrar. Não fiquei desiludido, antes pelo contrário. Björk regressou com um disco de que se gosta à primeira audição, mas sem cair em facilidades. De alguma forma, a música está mais próxima daquilo que fez em discos como Homogenic, com linhas melódicas de percepção mais imediata, mas os arranjos mantêm-se tão minimalistas quanto sofisticados. Há temas em que a electrónica comanda com dureza as operações. Noutros, como o que é interpretado em dueto por Björk e Antony, são os metais que se estendem solenemente por detrás das vozes. Menos cerebral, mais emocional, é o que se deve afirmar sobre a música de Volta, com Björk em plena maturidade. Será, seguramente, um dos grandes discos deste ano.

Melodias da Suécia

2007-05-06T19:46:00.000+01:00

Until Death Comes foi lançado em 2005 mas apenas hoje chegou às minhas mãos. E completamente por acaso. Estava em exposição numa loja onde fiz uma visita rápida, mas suficientemente longa para o ter escutado. A protagonista chama-se Frida Hyvönen, que compõe as canções e escreve as letras, e vem da Suécia. Além disso, assegura o piano e o orgão que são a base, quase exclusiva, dos arranjos. O que se pode ouvir por aqui? Temas simples, melodiosos, de fácil acesso, pontuados por boas harmonias vocais e que contrastam com o vigor transmitido pela foto da capa, em que Frida surge em plena entrega, com a sua cabeleira loura pairando no ar. Para mais informações sobre esta óptima descoberta, pode consultar-se este site, que inclui algumas notas da própria autora. Entretanto, a quem ainda não conheça, aconselha-se a audição deste álbum. Felizmente, parece que da Suécia se pode esperar muito melhor do que a pop pimba dos Abba.

O arranque dos Acoustic Ladyland

2007-05-05T19:40:00.000+01:00

Muita da música mais surpreendente que se pode encontrar resulta da fusão de diferentes estilos. Os Acoustic Ladyland incluem-se nesse conjunto de músicos que devem a sua razão de ser à junção de influências de origem diversa e que, no caso deste quarteto, um julgamento apressado poderia levar a acreditar ser impossível de empreender. Há ingredientes de jazz pós-bop que são essenciais no som da banda, mas esta jamais soaria de forma original se não se lhes juntasse o punk e uma veia vanguardista. Conheci os Acoustic Ladyland ao segundo álbum e só depois fui espreitar o primeiro CD da sua discografia, Camouflage. Este primeiro registo inclui mais jazz e menos punk do que o seu sucessor. É, por isso, menos cru e mais controlado. Mas isso não lhe retira qualidades, apenas se percebe que a banda privilegiou em Camouflage uma das suas paixões em detrimento da outra. Não se julgue também, pelo que aqui fica escrito, que os tempos rápidos e enérgicos são a única via que os Acoustic Ladyland sabem percorrer. Something Beautiful, um dos temas de Camouflage, é um momento de melancolia a não perder.

Mar da tranquilidade

2007-05-03T16:52:00.000+01:00

Charles Lloyd é um saxofonista veterano mas esteve praticamente retirado a partir do início dos anos 70, quando decidiu dedicar-se ao ensino de meditação transcendental. Nos últimos anos, tem-se sucedido a edição de novos discos, na etiqueta ECM, revelando que Lloyd quererá, provavelmente, recuperar algum do terreno perdido. As actividades, na onda new age, com que ocupou boa parte do tempo que subtraiu à música, reflectem-se no ambiente relaxado dos seus lançamentos mais recentes. O saxofonista não regressou para inventar fosse o que fosse, mas para tocar standards e novas composições num registo em que impera a tranquilidade. Um dos seus grandes momentos é o álbum The Water is Wide, editado em 2000. E a principal razão está na circunstância de o quinteto de Lloyd nesta gravação ser constituído por grandes nomes do jazz, que complementam na perfeição a forma delicada e elegante como o saxofonista ataca os solos. A saber: Brad Mehldau, no piano, John Abercrombie, na guitarra, Larry Grenadier, no contrabaixo, e Billy Higgins, na bateria. É um naipe de respeito para um álbum à altura dos seus talentos.

Uma banda, um tema

2007-05-02T12:34:00.001+01:00

Não posso dizer que os Human League sejam um dos meus grupos favoritos quando se trata de responder a uma vontade irresistível de escutar um disco de pop dos anos 80. Tenho apenas um CD de êxitos da banda, naquilo que é uma das raras excepções à minha regra geral de que mais vale ter os originais do que uma colectânea. E mesmo entre as canções que fazem parte do respectivo alinhamento deste Greatest Hits, os dedos de uma mão chegam e sobram para esgotar os temas que aprecio. Na verdade, há apenas um que verdadeiramente me faz vibrar. Esteve nas rádios durante algum tempo quando da sua edição, mas não chegou para me fazer comprar o disco dos Human League em que figurava. Estou a falar de Love Action (I Believe in Love), com a sua batida primária e sintetizador à altura do que de melhor se fez no universo da electrónica na década em que os League estiveram em alta.

Fabrico caseiro

2007-05-01T21:06:00.000+01:00

Adem Ilhan começou por tocar viola baixo nos Fridge para depois se dedicar a uma carreira a solo. Já tem dois álbuns no activo, em que expõe as suas canções na área do folk, cantadas em tom reservado, sobre um fundo feito, sobretudo, de guitarras acústicas. Comecei por contactar com a música de Adem através do seu último disco, Love and Other Planets e, pelo facto de ter gostado, decidi ir depois explorar o que se escondia em Homesongs, o seu CD de estreia. Na essência, é isto mesmo. Temas com arranjos simples, sem especiais preocupações em relação a efeitos pirotécnicos, feitas em casa, mas para escutar em qualquer lado. Ringing in My Ears, These Are Your Friends, Everything You Need e One in a Million são quatro argumentos irrecusáveis para se aderir a Homesongs.

A super-banda de Lee Morgan

2007-04-30T17:34:00.001+01:00

O primeiro aspecto a assinalar em Search For The New Land está no facto de reunir um grupo de músicos do melhor entre os que tomaram conta do jazz nos anos 60. Wayne Shorter (saxofone), Herbie Hancock (piano), Billy Higgins (bateria), Reggie Workman (contrabaixo) e Grant Green (guitarra) já fariam, só por si, uma espécie de super-banda de quem se poderia esperar uma boa escolha de temas e excelentes improvisos. Juntando a circunstância de a liderança desta gravação estar a cargo de Lee Morgan, fica completo um ramalhete de excepção que, através das cinco faixas originais compostas pelo trompetista, faz deste disco um dos mais apetecíveis de toda a sua importante carreira, ainda que esta tenha sido prematuramente interrompida de forma trágica. O disco foi lançado em 1964. No ano anterior, o hard-bop de Lee Morgan havia sido consagrado com a edição de The Sidewinder, gravação que surge, invariavelmente, entre os álbuns incontornáveis da história do jazz. A não perder: Search For The New Land, Mr. Kenyatta e, ainda, Morgan The Pirate, que encerra o disco com o elegante tempo de uma valsa.

O jazz no norte de África

2007-04-29T17:54:00.001+01:00

Um encontro entre o jazz europeu e as tradições sonoras berberes é, logo à partida, uma ideia suficientemente forte para gerar expectativa. A fusão musical entre as duas culturas, inspirada no filme Remparts d'Argile, de 1970, realizado por Jean-Louis Bertucelli, é a proposta do disco com o mesmo título, lançado em 2001 por Henri Texier. O contrabaixista é um dos grandes feiticeiros deste instrumento na Europa e tem editado alguns dos seus trabalhos mais empolgantes a partir da exploração das potencialidades oferecidas pela conjugação entre as músicas ocidental e africana. Em Remparts d'Argile, o som poderoso do seu contrabaixo é o guia que orienta os improvisos e as belíssimas melodias executadas por Sébastien Texier no saxofone e nos clarinetes, a que se junta Tony Rabeson, na bateria, dando corpo aos ritmos característicos da música tradicional berbere. Este disco recomenda-se, sem quaisquer reservas, a quem aprecia música pela sua capacidade de derrubar fronteiras e de absorver influências. É um must para quem goste de jazz, de world, de ambas as coisas ou simplesmente de escutar música sublime, independentemente das suas origens. Eu jamais hesitaria em levá-lo comigo para uma ilha deserta.

Um quarteto do diabo

2007-04-28T19:33:00.000+01:00

Gerry Hemingway é muito mais do que um excelente baterista. Reparte o seu tempo por inúmeros projectos e tem uma importante faceta de compositor que já o levou a receber encomendas para projectos situados fora do jazz, na área música clássica contemporânea. Desde o final dos anos 70 que começou a gravar como líder e a sua produção, de pendor vanguardista, tem mantido uma assinalável regularidade em termos qualitativos. Devils Paradise, de 2003, é, entre as suas edições mais recentes, uma das mais celebradas. Todo o material incluido no disco é da autoria do baterista, embora seis dos oito temas que integram este CD tivessem já sido contemplados em registos anteriores. Aqui, os talentos reunidos de Ray Anderson, no trombone, Ellery Eskelin, no sax, e Mark Dresser, no contrabaixo, fornecem novo fôlego a "velhas" faixas, com improvisos e diálogos entre Anderson (em grande forma) e Eskelin que constituem o prato forte da gravação, sustentados por uma secção rítmica desafiadora e que empurra o trombone e o sax para o confronto. Como o orçamento doméstico tem que ser gerido de forma a chegar para todas as exigências inescapáveis, só agora acrescentei Devils Paradise à colecção. Estou satisfeito.

Venham (ainda) mais cinco

2007-04-25T17:41:00.001+01:00

Conheço muito boa gente que aprecia a música em função da orientação ideológica em que se pode enquadrar. Se quem compõe ou interpreta pertence a um determinado quadrante político ou se a letra revela identidade com determinada concepção, então é porque se está perante boa música para quem se identifica com a área ideológica em causa, ou má música para quem não se integra nessa tribo. A meu ver, não há melhor forma de as pessoas que assim decidem sobre as suas preferências provarem que aquilo de que gostam verdadeiramente não é música mas, sim, política. Lamento, por elas, o facto de, com esta visão maniqueísta e redutora, se privarem do desfrute de muito boa música por meros motivos ideológicos. Apesar de a propaganda partidária se apropriar frequentemente da música, e de outras artes, com o objectivo de servir os seus interesses específicos, a data de hoje merece ser assinalada com a audição de um disco de José Afonso, simplesmente porque a obra deste autor é incontornável para quem seja, acima de tudo o resto, um melómano. Aqui fica a sugestão de Venham Mais Cinco, cuja faixa que dá título ao disco, com o seu balanço africano, é uma das minhas favoritas entre o repertório do cantautor.

A festa de John Butler

2007-04-24T16:44:00.000+01:00

Há guitarristas melhores, no sentido de mais bem dotados do ponto de vista técnico, do que John Butler. Mas a sua força está na entusiasmante fusão entre funky, reggae, blues, folk e rock que pratica, juntamente com os dois músicos, Shannon Birchall e Michael Barker, que, no baixo e na bateria, respectivamente, completam o trio que lidera. Butler entrega-se com ânimo às guitarras acústicas e eléctricas, ao banjo e ao cavaquinho, recorrendo frequentemente ao bottleneck para colar as notas em frases que faz soar de forma clara e espontânea. Grand National, recheado de canções enérgicas, que agarram de imediato, tem ainda a vantagem de, em relação a álbuns anteriores do John Butler Trio, acrescentar alguns elementos que assentam que nem uma luva e enriquecem a música da banda. É o caso de uma secção de sopros, em Gov Did Nothin', que dá um animado colorido de jazz clássico à faixa. Por causa deste tema e de outros, é que este disco é uma festa.

Neil Young no seu melhor

2007-04-23T11:07:00.001+01:00

Uma citação que vem colada no plástico que envolve este disco revela que Neil Young foi aconselhado pelo seu produtor a lançar a gravação ao vivo dos dois concertos realizados no Massey Hall, em 1971, antes de avançar com a edição de Harvest. Na altura, Young não concordou, mas diz que, à distância dos mais de 30 anos que passaram desde a época em que tomou a decisão, compreende melhor os argumentos e até confessa que devia ter seguido a sugestão. A curta citação não inclui a explicação de Neil Young. Mas, ao escutar-se este disco, em que o músico canadiano surge sozinho em palco, alternando entre a guitarra e o piano, percebe-se, pelo menos, que o produtor sabia ter nas mãos um pequeno tesouro. A voz jovem, aguda e fresca de Young, a sua capacidade para, sem outro acompanhamento, absorver a concentração da audiência numa prestação intimista e a interpretação de temas de álbuns anteriores e de canções que figurariam na sua obra maior, Harvest, fazem desta gravação um dos grandes momentos na carreira de um nome incontornável do folk-rock. Finalmente, o comum dos mortais tem acesso a este evento, acrescentado de algumas filmagens inéditas. Valeu a pena a espera.

Meios escassos, grande música

2007-04-22T13:19:00.001+01:00

Por acaso, na sequência de posts anterior, dedicada a algumas vozes femininas que merecem carinho e dedicação neste blogue, acabei por ir parar a um vozeirão masculino que, nos idos de 70, mas também depois dessa era, fez alguma da música mais fascinante que conheci nos terrenos do rock progressivo. Refiro-me a Peter Hammill, o líder e motor criativo dos Van Der Graaf Generator que, em meados daquela década, gozaram de merecido prestígio entre os grandes nomes desse estilo que foi acusado de quase tudo, incluindo de ter condenado o rock à morte. Aos críticos das bandas "progressivas" há que dizer que os Van Der Graaf Generator não se apresentavam, em palco ou em estúdio, rodeados de toneladas de material. Em Still Life, o disco que justifica este texto, a banda constrói os temas sobre orgão, saxofone, baixo, bateria e nada mais. Isto, juntamente com a voz de Hammill, é suficiente para garantir a intensidade, o romantismo e o lado épico de faixas como Pilgrim, Still Life ou My Room (Waiting For Wonderland). Os meios são escassos mas a música é imensa.

Tori Amos e as versões

2007-04-21T20:44:00.001+01:00

Não quero abusar da paciência de quem se dá ao trabalho de ler estas linhas e garanto que não faço de propósito, o que até feriria o nome deste blogue. Mas a verdade é que depois de ter aqui escrito sobre o novo álbum de covers de Patti Smith, lembrei-me de uma outra gravação de versões, também por uma intérprete feminina, que acabou por me andar a fazer comichão por detrás da orelha nos últimos dias. O disco em causa é Strange Little Girls, de Tori Amos, uma cantautora com quem tenho uma relação contraditória, passando de fases em que gosto muito para outras em que tenho alguma dificuldade em arranjar paciência para a entoação demasiado sofrida que, aqui e ali, Amos coloca na voz, com um exagero que lhe retira genuinidade. O álbum em causa não é brilhante. Mas tem algumas versões dignas de registo. É o caso do tema dos Stranglers que acaba por inspirar o título do disco ou de Hapiness Is a Warm Gun, dos Beatles, mas, acima de todas as restantes, a interpretação de Rattlesnakes, do primeiro disco de Lloyd Cole & The Commotions.

O género e a qualidade

2007-04-20T18:18:00.001+01:00

Se este blogue tem leitores fiéis, aspecto que desconheço mas que, a verificar-se, desde já agradeço, já se terão dado conta de que, por aqui, há um fraquinho especial por vozes femininas. Não há qualquer razão especial. Simplesmente tem acontecido, nos últimos tempos, deparar-me com uma cada vez mais vasta escolha de intérpretes especialmente atraentes, em termos estritamente musicais que é o que para aqui interessa. Com a ressalva de que não conheço tudo o que se vai fazendo nos domínios da pop e que há fenómenos no género masculino que, certamente por incapacidade minha me deixam escandalosamente indiferente, como é o caso dos Arcade Fire, muitos dos projectos mais originais que vou descobrindo são protagonizados por mulheres. Um desses casos é Hanne Hukkelberg. Tanto quanto me apercebo, esta norueguesa vai no seu segundo álbum e a produção mantém um nível merecedor dos mais elevados encómios. Tudo começa pelo facto de Hukkelberg ter uma óptima voz. Depois, há o facto de as suas canções fugirem aos padrões banais da pop, mesmo a que é identificada como "alternativa". Por fim, os arranjos, compatibilizando instrumentos acústicos e electrónicos, servidos por uma produção impecável completam um todo quase perfeito. Rykestrasse 68 é o título deste novo álbum de Hanne Hukkelberg. Escutem-no.

Eu ontem adormeci assim

2007-04-19T19:48:00.000+01:00

Sim, este álbum é o tal que inclui o mega-êxito Gabriel, a canção mais popular dos Lamb. Mas quando o comprei, na rápida audição que fiz não cheguei a prestar muita atenção a esse tema. What Sound é daqueles discos equilibrados em que se torna difícil encontrar a faixa favorita. A eleita vai mudando à medida que se vão conhecendo os cantos à casa. E isto, só por si, funciona como um bom sinal, revelador de uma qualidade geral acima da média. Recordo-me de ter encontrado este CD arrumado entre os discos que levam o rótulo de "electrónica". Se, em parte, é disso que se trata quando se fala da música deste duo, eu acho que What Sound é, acima de tudo, um disco de pop - um óptimo disco de pop, aliás - que, por acaso, se apoia nos instrumentos electrónicos. De certa forma, os Lamb foram uma espécie de Everything But The Girl, um pouco mais rugosos, menos jazzy, mas igualmente emotivos. Ontem, prestaram-me um bom serviço quando chegou a hora de fechar o livro, apagar a luz, ajeitar a almofada e escutar os derradeiros sons de mais um dia na vida.

O instante da ruptura

2007-04-18T16:00:00.000+01:00

Water Babies foi gravado pelo segundo grande quinteto de Miles Davis em 1967, mas o disco só veria a luz do dia nove anos depois. Apenas conheci esta gravação anos mais tarde. Olhando para trás, não posso deixar de pensar como terá sido curioso ouvir pela primeira vez a música deste disco, numa altura, meados dos anos 70, em que Miles já tinha dado largos passos na fusão, deixando para trás os tempos em que se dedicava a desbravar novas fronteiras mas preservando, ainda, as referências do bebop. Muitos dos músicos que participaram nas sessões que deram origem a Water Babies foram potagonistas, dois anos mais tarde, de Bitches Brew, casos de Wayne Shorter, Chick Corea ou Dave Holland. E, de facto, uma parte da música presente em Water Babies, no tema Two Faced, por exemplo, segue o trilho que iria dar àquele marco histórico da fusão com os seus 18 minutos de improvisação e destaque para o longo solo de piano eléctrico de Corea. A outra parcela de Water Babies está mais recuada, na linha da obra de Davis durante a primeira metade dos anos 60. Este é um dos pontos de interesse do disco: o facto de mostrar duas facetas de Miles Davis e de fixar, para a posteridade, a mais profunda ruptura da sua carreira.

Um título bem a propósito

2007-04-17T18:19:00.000+01:00

Cá por casa, escasseando o espaço e também, em grande medida, a vontade de dar algum sentido e organização à forma como arrumo os discos, nem sempre consigo encontrar com facilidade aquilo que me apetece escutar. Mas nem tudo é caos. Uma parte do repertório de jazz e de clássica de que sou um feliz proprietário está devidamente ordenada por ordem alfabética e, no local reservado a cada músico e/ou compositor, os discos estão ordenados por ordem cronológica. Este facto deu-me, hoje, algum jeito. Depois de me ter deliciado com o mais recente CD de John Abercrombie, fui atacado de saudades irreprimíveis de ouvir um disco de 1975, em que o guitarrista toca com o teclista Jan Hammer e o baterista Jack DeJonhette. A obra em causa intitula-se, bem a propósito, Timeless, e é um dos grandes discos de Abercrombie e da música de fusão, interpretado por três fantásticos improvisadores. Aliás, se alguém, desconhecedor da discografia de John Abercrombie, me pedisse para escolher um disco introdutório da sua obra, não hesitaria em apontar Timeless, embora sabendo que há, no seu percurso, outros discos mais acessíveis mas, igualmente, menos arrebatadores.